E’ una serie a Fumetti western ideata da Berardi e Milazzo per Cepim.

Creata nel 1974 esordisce nel giugno 1977 per 59 numeri fino al 1984.

Dal 1984 al 1988 comparvero brevi storie a colori a puntate su riviste antologiche come Orient Express.

I due Autori si mettono in proprio nel 1989 fondando una casa editrice la Parker Editore, attraverso la quale ristampano nella Serie Oro, bonellide, la serie originale più le brevi storie uscite a puntate su rivista.

Nel 1992 debutta Ken Parker Magazine che pubblica storie inedite.

La pubblicazione continua dal 1994 al 1996 sino al numero 36 con Sergio Bonelli Editore.

Escono inoltre 4 numeri nella testata Speciale Ken Parker e infine il Canto di Natale più l’ultimo inedito nell’aprile del 2015 Fin dove arriva il mattino.

Seguono altre ristampe da Panini e Mondadori fino all’attuale ristampa Bonelli che origina questa recensione.

E’ l’attore statunitense Robert ‘I tre giorni del Condor’ Redford nell’interpretazione del Cult di Pollack del 1972 Corvo Rosso non avrai il mio scalpo!(Jeremiah Johnson) a ispirare le fattezze del protagonista.

Questi, invece, gli Autori che hanno contribuito alla serie come sceneggiatori Castelli e Sclavi mentre Giorgio Trevisan, Goran Parlov, Giancarlo Alessandrini, Bruno Marraffa, Carlo Ambrosini, Sergio Tarquinio e Pasquale Frisenda nel disegno.

Trama:

Questo l’incipit della serie: Ken è un cacciatore di pelli insieme a suo fratello, nel Montana, quando il fratello nel primo numero rimane ucciso a seguito di una rapina, il protagonista decide di vendicarlo inseguendo i ladri…

Al contrario dei classici protagonisti delle serie a Fumetti del periodo, Ken è un individuo di una grande umanità, antimilitarista, paladino delle cause perse e protettore degli oppressi.

E’ una storia umana che segue il revisionismo storico del vecchio west anticipato cinematograficamente da pellicole capolavoro quali Soldato Blu o Piccolo Grande Uomo e Un Uomo Chiamato Cavallo.

Così non mancano riferimenti storici, un elenco interminabile di citazioni di personaggi del cinema (Stanlio e Ollio, John Wayne, Marlene Dietrich, Arnold Schwarzenegger, Marilyn Monroe, Ronald Reagan, Totò…), dei fumetti, degli autori della collana, infine di tanti personaggi realmente esistiti come il famoso pistolero “Wild Bill Hickok”, il celebre settimo cavalleggeri del Generale Custer, il famigerato bandito William Bonney, meglio noto come Billy the Kid eccetera.

Disponibilità al momento del Post(20-05-26)

BONELLI

Prezzo € 7,90 Cad. x ? Volumi

Nessuno:

«È un gran privilegio poter morire come si è vissuto, e lui lo meritava…» (dall’episodio ‘Casa dolce Casa’)

Leggo western dall’infanzia, cresciuto dalla coppia John Ford & John Wayne.

Questo grazie a quei due satanassi dei miei genitori.

Ricordo ancora i recuperi di Tex, Il Piccolo Ranger e Zagor, con il mio babbo che tornava a casa la sera da Milano dove lavorava, con borse enormi di vecchi arretrati.

In casa si leggeva tutto, da Tex a Zagor, Capitan Miki, Kinowa (tra i preferiti), Il Grande Blek, Judas, Maschera Nera, Il Comandante Mark, Storia del West, Il Piccolo Ranger, El Gringo, fino alla collana I Protagonisti.

Quando arrivò Ken il western era cambiato e lo avevano cambiato Arthur Penn Robert Aldrich Sam Peckinpah e non era più tempo d’eroi.

Berardi e Milazzo resero le nuvole parlanti realistiche attraverso la graduale eliminazione delle didascalie e l’uso di una regia cinematografica.

Ma ancora prima con personaggi vivi e reali insieme a storie mai a lieto fine.

Bonelli: “Ken Parker è un albo la cui poesia ha spesso il sopravvento sull’azione, i dialoghi hanno più importanza degli spari e dei cazzotti, e il montaggio e lo stile narrativo sperimentano continuamente nuove idee e soluzioni.”

Ecco i miei episodi preferiti:

Il respiro e il Sogno

+

Uomini, bestie ed eroi

Casa dolce casa

Lily e il Cacciatore

Adah

La terra degli eroi

Chemako

Un principe per Norma

Non confondetevi però, la serie di Berardi e Milazzo è tutta da leggere dall’inizio alla fine…

So long, Lungo Fucile.

Fidatevi di Nessuno

Gotcha!

Alita l’Angelo della Battaglia (“Gunnm” è la contrazione di “Gun’s dream”, il sogno di un’arma) è un Manga di Yukito Kishiro.

La serie pubblicata dal 1990 al 1995 ha avuto un seguito in Alita Last Order dal 2001 al 2014 (per 19 volumi) e Alita Mars Chronicle dal 2014 al 2025 (per 11 volumi) integrate dagli speciali Alita Altre Storie (una serie di 2 volumi in cui sono raccolte storie brevi) e Ashen Victor/Storie dal mondo di Alita – i segreti del Motorball o Haisha: un prequel ambientato un decennio prima.

Il nome Battle Angel Alita proviene dall’editore statunitense Viz per motivazioni estetiche e di pronuncia(Gally—>Alita).

Una prima pubblicazione di Alita in Italia su Zero della Granata non fu mai portata a termine.

Successivamente con Planet Manga Panini la serie venne riproposta integralmente sul periodico Manga Top(18 numeri tra gennaio 1997 luglio 1998), ristampata sul bimestrale Alita Collection(11 numeri tra marzo 2001 novembre 2002) e nell’edizione simile all’originale(9 numeri da novembre 2016) per infine arrivare in occasione dell’uscita dell’adattamento cinematografico ai tre volumi della Alita Panzer Edition di oggi.

L’adattamento cinematografico Alita – Angelo della Battaglia (Alita Battle Angel) con Rosa Bianca Salazar è stato distribuito nel 2019 con regia di Robert ‘Dal tramonto all’alba’ Rodriguez e sceneggiatura di Cameron.

Inoltre dall’opera è stato tratto nel 1993 un OAV in 2 puntate e nel 1998 dalla Banpresto un action-JRPG denominato GUNNM Memories of Mars.

Trama:

In seguito ad una guerra che ha ridotto la Terra ad una ambientazione post-apocalittica, Alita – una giovane ragazza cyborg priva di memoria – viene ritrovata dal ‘cyberdottore’ Daisuke Ido, tra i rifiuti della Città discarica, una gigantesca metropoli sovrastata da Salem, favolosa città sospesa tra le nubi…

Alita è un capolavoro del cyberpunk e come per Ghost In The Shell, elogiato nell’originalità della narrazione, ricordato per la brutalità degli scontri, le riflessioni filosofiche sull’umanità e l’intelligenza artificiale.

Un’epopea fantascientifica dove i più grandi interrogativi teoretici sul rapporto uomo e macchina esplodono intrecciandosi ad una storia incentrata su di una costante ricerca della propria identità.

Le differenze sociali di un’umanità tristemente divisa in ricchi e poveri, tra privilegiati e un mondo popolato di ingiustizia e violenza dove vige la legge del più forte per un romanzo di formazione che scalda il cuore.

Disponibilità al momento del Post(13-05-26)

PANINI

Prezzo € 75,00 ALITA PANZER EDITION (Cofanetto 3 Volumi)

Nessuno:

Innanzitutto un chiarimento, il finale della prima serie venne scritto frettolosamente in quanto l’autore si ammalò gravemente trovandosi di fronte al dilemma: realizzare una conclusione prematura o rischiare che l’opera non venga mai finita. Ripresosi, il finale venne dichiarato non canonico e così nacque Alita Last Order come sequel e Alita Mars Chronicle come prequel. Nonostante tutto, il primo finale originale non è affatto male!

Alita è tra i miei Manga preferiti.

Vi trovate nuovamente di fronte ad un’altra opera con al centro le emozioni, fortemente introspettiva e con personaggi (Alita, Ido e Yugo) tutti estremamente ben delineati, nonostante le sequenze d’azione e di combattimento mescolate ad un’efferatezza probabilmente ineguagliata sino all’arrivo di Berserk, con mutilazioni, squartamenti, torture e scontri all’ultimo sangue.

E ancora una volta viene a confronto la disumanità dei personaggi di carne e ossa verso l’umanità della cyborg.

Troverete Blade Runner e Mad Max, Rollerball, con Laputa, l’isola volante degli scienziati pazzi e luogo immaginario descritto nel romanzo I Viaggi Di Gulliver, Jonathan Swift, tra le fonti d’ispirazione dichiarate dall’Autore.

Ed i cui disegni pur indubbiamente datati, non risentono minimamente del tempo come se fossero realizzati oggi.

In definitiva, non credete minimamente a chi etichetta la storia come scontata e senza colpi di scena o eccessivamente violenta, Alita è un Manga emozionante, impossibile non farsi conquistare dalla protagonista e dalle avventure che la aspettano.

Fidatevi di Nessuno

Gotcha!

E’ un Manga di Masamune Shirow, serializzato nel triennio 1989/1991 su Young Magazine, continuato in due sequel dal 1991 al 1997, Ghost in the Shell 2: ManMachine Interface e Ghost in the Shell 1.5: Human-Error Processer.

I diritti dell’edizione italiana sono da sempre di Star Comics, dapprima in otto parti dal 1992 al 1993 su Kappa Magazine, dal # 1 al # 8, con il titolo Squadra speciale Ghost, successivamente in edizione monografica nel 2004 in Storie di Kappa # 117 ristampato con traduzione riveduta nel 2017 e seguito da Ghost in the Shell 2: ManMachine Interface il 3 novembre 2004 in Storie di Kappa # 122 e Ghost in the Shell 1.5: Human-Error Processer il 15 dicembre 2005 in Storie di Kappa # 132 a completamento della trilogia.

The Ghost in the Shell è un vasto franchise composto da Film, videogiochi, Anime, Manga spin-off e 5 romanzi.

Alcune di queste opere si inseriscono nella stessa continuità della serie originale mentre altre sono invece ambientate in realtà alternative.

Nel 1997 ecco il videogioco sparatutto in terza persona Ghost in the Shell, sviluppato Exact distribuito Sony Computer Entertainment per PlayStation e seguito da tre videogiochi tie-in alla serie televisiva Stand Alone Complex (Anime).

Lo studio Production I.G ha realizzato diversi adattamenti in Anime:

i 5 film Ghost in the Shell (1995 rielaborato 2.0 nel 2008 sempre dallo stesso Mamoru ‘AVALON’ Oshii), Ghost in the Shell 2 – Innocence (2004), Ghost in the Shell: S.A.C. Solid State Society (2006), Ghost in the Shell: The Rising (2015) e le serie Ghost in the Shell: Stand Alone Complex (serie TV, 2002-2005), Ghost in the Shell: Arise (OAV e serie TV, 2013-2015), Ghost in the Shell: SAC 2045 (ONA, 2020-2022), per giungere infine al nuovo Anime in arrivo nel 2026, un Reboot curato dallo stesso studio di animazione di DANDADAN!!!

Nel 2017 infine ecco il film live action statunitense (dopo l’acquisto nel 2008 dalla DreamWorks e Spielberg) con Scarlett Johansson, Pilou Asbæk, Takeshi Kitano, Chin Han, Michael Pitt, Peter Ferdinando, Juliette Binoche.

Trama:

Ambientato nel Giappone futuristico del secolo XXI, dove nanotecnologie, la genetica e l’informatica sono diffuse ovunque nella vita umana, il Manga è un thriller poliziesco cyberpunk sulle vicende investigative del maggiore Kusanagi Motoko, agente speciale al comando di una squadra delle forze dell’ordine impegnata in una lotta senza tregua contro il signore dei pupazzi, apparentemente terrorista manipolatore della rete attraverso la stretta interconnessione tra macchine, esseri viventi e computer…

L’ambientazione, un mondo futuristico distopico, inserisce l’opera di Shirow nel filone del cyberpunk originariamente codificato negli Stati Uniti, ma evolutosi successivamente nell’approccio tutto nipponico della società giapponese dove la tecnologia si diffondeva sempre più rapidamente.

Una società altamente informatizzata, alienante, dove la fantascienza classica obsoleta viene superata inizialmente da opere come Akira di Otomo, seguita dalle stesse Appleseed e Dominion di Shirow.

Con quest’opera però Shirow pone l’interrogativo dell’identità umana e dell’unicità della persona nel concetto di ‘ghost’, l’anima, un’essenza che differenzia gli esseri umani dai robot e che nasce dal saggio Il Fantasma Dentro La Macchina (The Ghost In The Machine) di Arthur Koestler, unitamente agli studi del filosofo Gilbert Ryle.

Nascono così i nuovi interrogativi etici sulla responsabilità e moralità delle azioni, ad esempio nel campo specifico criminale, tra anima e corpo, ‘ghost’ e ‘shell’.

E le conseguenti problematiche sociali, legali e giuridiche sulla rete informatica, fanta-scenari all’epoca, ma oggi questioni concrete e attuali.

Disponibilità al momento del Post(30-04-26)

Star

Prezzo € 35,00 THE GHOST IN THE SHELL OMNIBUS EDITION Vol. unico L’EDIZIONE DEFINITIVA DEL CAPOLAVORO SCI-FI un volume di grande formato con oltre 800 pagine di cui alcune a colori e che include Ghost in the Shell, Ghost in the Shell 1.5 – Human Error Processer e Ghost in the Shell – ManMachine Interface

Nessuno:

Adoro la storia e il disegno (!!!!!), il personaggio del Maggiore, i due adattamenti cinematografici di Oshii, il secondo in particolare lo ritengo un Capolavoro e perfino il Film con Scarlett.

E’ una delle pietre miliari del genere cyberpunk e della fantascienza moderna.

Questo, nonostante la nota e criticata difficoltà nella lettura a causa della complessità dell’opera.

Shirow stesso, consapevole di questo limite, in un’intervista a Frederik L. Schodt del 1998 dichiarò: «Mi rendo conto che le mie storie devono essere di facile fruizione, e cerco di renderle semplici da leggere. È un braccio di ferro. Io non voglio fare storie troppo semplici, né le voglio scrivere troppo complesse. Faccio fatica a trovare un buon bilanciamento. So che è difficile per i lettori a volte.»

Per quanto riguarda il disegno, il tratto si allontana dal classico stile Manga, avvicinandosi maggiormente al Fumetto occidentale, con l’eccezione tipicamente giapponese dei siparietti comici per bilanciare l’azione e l’estrema violenza dello stesso racconto. Le tavole hanno un taglio adrenalinico con ambientazioni curate nel dettaglio e ricche di particolari. Nei sequel il design è più realistico, frutto dell’attenzione maniacale dell’autore per armi, visori e veicoli e per il largo uso di computer grafica e colorazione digitale, mentre non viene mai fortunatamente meno la propensione a disegnare figure (femminili) procaci e svestite fino ed oltre i limiti della censura.

Fidatevi di Nessuno

Gotcha!

Shigurui Le Spade Della Vendetta è un Manga di Takayuki Yamaguchi, dal romanzo di Norio Nanjo, pubblicato in totali 84 capitoli/15 volumi, dal 2003 al 2010 in Giappone.

Del 2006 l’edizione italiana pubblicata da Planet Manga Panini in 15 volumi oggi ristampati nella edizione NEW a partire da aprile/maggio 2026 indicativamente.

Madhouse adatta i primi volumi del Manga in una serie Anime in 12 episodi, nel 2007.

Trama:

Nel 1629 all’inizio del tormentato periodo Edo lo stile di spada dello spietato maestro Kogan Iwamoto è rinomato per la sua imbattibilità: tutti gli ardimentosi che ne hanno sfidato la scuola hanno difatti perso la vita o sono stati deturpati da orribili mutilazioni! Kogan è però ormai anziano e si avvicina il giorno in cui nominerà fra i suoi discepoli colui che gli succederà e ne sposerà la figlia. Gennosuke e Seigen sono i due migliori samurai del dojo, ma null’altro li accomuna…

Shigurui è una critica, feroce, alla mentalità giapponese, in particolare al codice del bushido.

Un’epoca passata di obbedienza e di lealtà dove i samurai erano membri di una casta privilegiata senza alcun rispetto per le vite dei comuni mortali.

E questo a dispetto a tante altre opere sui samurai spesso presentati come esseri rispettabili e d’onore.

Disponibilità al momento del Post(19-03-26)

PANINI

Prezzo € 9,90 Cad. x ? Volumi

Nessuno:

“Coloro che vivono senza motivazione rimangono colpiti… dalla bellezza di coloro che hanno deciso di vivere.”

Questa è la Biblioteca di Nessuno più stringata dell’elenco.

Perché non c’è davvero molto da raccontare sul Capolavoro di Yamaguchi.

Non sulla trama descritta all’inizio poiché qualsiasi aggiunta si rivelerebbe uno spoiler.

Tuttavia non è una storia di samurai come all’apparenza sembrerebbe.

O almeno non è certamente solo una storia di samurai.

E’ onore, rispetto, vendetta, sangue, violenza, crudeltà e cupidigia.

All’interno della pace fittizia del Giappone feudale e violento dell’epoca Edo, il Manga smaschera le etichette e forme di cortesia mostrandoci la crudeltà dietro la nobiltà del mondo dei samurai.

Il cosiddetto Bushido (“Via del Guerriero”), l’antico codice di condotta morale e di vita seguito dai samurai in Giappone, basato convenzionalmente su lealtà, onore, disciplina, coraggio… e follia.

Solita nota finale sui disegni i quali si caratterizzano per i dettagli maniacali delle atmosfere del Giappone dei samurai, per le rappresentazioni dei duelli e delle tecniche di spada e infine per le scene di grande violenza e crudezza accuratamente dettagliate con spargimenti di sangue e di organi interni.

Consigliato soprattutto a chi ha amato LONE WOLF AND CUB, SIDOOH, L’IMMORTALE, VAGABOND, LADY SNOWBLOOD, estremizzandone la ferocia e il sadismo.

Fidatevi di Nessuno

Gotcha!

La Trilogia Nikopol è un romanzo a Fumetti/Graphic Novel sceneggiato ed illustrato dall’Autore franco-jugoslavo Enki Bilal.

E’ composto dai volumi La fiera degli immortali (1980), La Donna Trappola (1986) e Freddo equatore (1992).

Les Humanoïdes Associés l’editore originale, per l’Italia invece Alessandro editore insieme a Cosmo.

Lo stesso Bilal ha girato nel 2004 il Film di fantascienza animato e live action francese in lingua inglese Immortal Ad Vitam (Immortel Ad Vitam), un adattamento cinematografico che comprende elementi dei primi due volumi.

Del 2008 l’adattamento videoludico col videogioco Nikopol: Secrets of the Immortals.

Trama:

Marzo, 2023, Parigi… Alcide Nikopol, un prigioniero condannato trent’anni prima all’ibernazione per diserzione, viene liberato grazie all’intervento di Horus, antico dio egizio in fuga dall’olimpo dei suoi simili (Toth, Anubis, Bast) dalla nave spaziale piramidale recentemente comparsa nei cieli della città.

Bilal è uno degli autori più influenti della nona arte.

E tante le influenze sulle e dalle sue opere che si possono trovare in letteratura, partendo dai versi maledetti di Baudelaire citati incessantemente da Nikopol.

Così dal Fumetto, il gruppo di Métal Hurlant, Moebius e il cinema, Matrix, Blade Runner, Il Quinto Elemento o le piramidi volanti della pellicola Stargate.

Disponibilità al momento del Post(12-03-26)

COSMO

Prezzo € 34,90

Nessuno:

Nonostante tutti o quasi dicano il Film sia perdibile, io dico invece di guardarlo, non fosse altro che la regia e gli intenti siano dello stesso autore del Fumetto, Bilal.

E perché vi recitano comunque Charlotte Rampling, Thomas Kretschmann, Linda Hardy e Frédéric Pierrot.

Visivamente, inoltre, la particolarità del miscuglio animazione e live action, rende il prodotto un qualcosa di originale e davvero innovativo.

Il Graphic Novel: la trama non è scontata, una fantascienza dai temi politici e sociali, distopica, miscelando l’immaginario fantastico con la realtà attraverso la creazione di personaggi indimenticabili ci racconta di un’avventura straordinaria.

Nikopol è l’alter ego dell’Autore a partire dal nome… Nike, la dea greca della vittoria figlia di Pallante e Stige non è altro se non l’anagramma di Enki.

Dall’addio alla Jugoslvia, nella fattispecie da Belgrado a Parigi, nasce la nuova direzione nella vita privata dell’Autore, un fardello dalla seconda guerra mondiale che sfocia in una visione profetica di conflitti etnici a venire negli anni novanta.

Il romanzo grafico diviene così un gioiello da brividi della fantascienza distopica a dimostrazione che l’uomo commette, storicamente, sempre gli stessi errori, le ingiustizie sociali continuano a ripetersi tramandate ripetutamente di generazione in generazione.

Come per l’Eternauta, Bilal usa la fantascienza per fare conoscere e denunciare la realtà circostante.

Ma c’è di più.

Niente spoiler, ma il discorso sulla memoria e il disagio nel ricordare un amore passato (Se Mi Lasci Ti Cancello) insieme alla innata paura di raccontare cosa l’essere umano è in grado di fare, schiera l’Autore dalla parte non dimenticare mai perché dimenticare gli orrori significa nello stesso modo dimenticare anche i momenti felici.

Per quanto riguarda il disegno, infine, il tratto di Bilal ha l’inconfondibile sapore “moebiusiano”, ma nel corso della carriera è evidente un’evoluzione dello stile adottato dall’atmosfera dei comics ad uno personale e pittorico che lo rendono unico.

Fidatevi di Nessuno

Gotcha!

Powers è una serie a Fumetti statunitense, scritta dall’Autore Brian Michael Bendis su disegni di Michael Avon Oeming e pubblicata dal 2000 all’interno dell’etichetta “Jinxworld” fondata dallo stesso Bendis per radunare tutte le opere creator-owned da lui prodotte.

E’ pubbilcata fino al 2004 da Image, dal 2004 al 2017 dalla Marvel, dal 2018 alla DC per approdare nel 2021 alla Dark Horse Comics presso la quale in occasione del venticinquesimo anniversario viene lanciata Powers 25, serie in corso in dodici numeri a partire da settembre 2025.

Prima edizione italiana della Magic, a seguire dal 2010 dall’editore Panini.

Oltre 100 numeri attualmente pubblicati in differenti miniserie.

La serie è stata adattata in due stagioni televisive di 10 episodi trasmesse dal 2015 al 2016 da Sony, Infinity in Italia.

Trama:

In un mondo di supereroi, i protagonisti sono due brillanti detective, Christian Walker e Deena Pilgrim, agenti di polizia della omicidi che si occupano di casi riguardanti i ‘poteri’…

Nel 2001 vince l’Eisner come Miglior nuova serie, o Best New Series in originale.

Disponibilità al momento del Post(05-03-26)

PANINI

Prezzo € 37,00 Vol. # 1 € 43,00 Vol. # 2 e 3

i prezzi dei vol. futuri dipenderanno invece dalla lunghezza delle rispettive miniserie e dalle scelte dell’editore

Nessuno:

Io amo Bendis, adoro Powers e quest’ultima è B.M.B. al top.

Quindi partiamo dall’Autore.

La sua carriera inizia scrivendo le serie indipendenti ‘crime’ Goldfish, Jinx, Fire, Torso.

Nasce il Jinxworld per il quale Bendis realizza le opere creator-owned tra cui appunto Powers!!!

Seguono immediatamente Sam & Twitch ed Hellspawn per Todd McFarlane Productions e per la Marvel prima la crezione dell’Ultimate Universe e Ultimate Spider-Man, il rilancio dei titoli degli Avengers (New Avengers, Dark Avengers e Mighty Avengers), i mutanti, il ciclo di storie per Daredevil, i Guardiani della Galassia, le saghe evento Avengers vs X-Men, Secret War, House of M, Secret Invasion, Age of Ultron, Siege/Assedio, Civil War II fino alla creazione del personaggio Jessica ‘ALIAS’ Jones nell’etichetta MAX per approdare infine alla concorrente DC con l’esordio sulla storica serie Action Comics, rilanciare Superman ecc.

Vince 5 Eisner:

1999 come “talento emergente meritevole di una più ampia considerazione” (Talent Deserving Of Wider Recognition)

2001 come autore con Michael Avon Oeming della “miglior nuova serie” (Best New Series) per Powers

2002 e 2003 come “miglior scrittore dell’anno”

2003 come autore con Alex Maleev, della “miglior serie periodica non limitata” (Best Continuing Series) per Daredevil Marvel Comics

Ora, non saranno protagonisti i conosciuti super-eroi della Marvel e Dc, ma Powers riflette tutto quanto fatto da Bendis in carriera, a cominciare dal soggetto strepitoso sostenuto con dialoghi brillanti ed originali, ritmo, colpi di scena e tutte le trovate narrative che hanno caratterizzato il suo repertorio, inserti giornalistici, flashback, servizi televisivi, le tavole/vignette ripetute.

Grazie in questo a Mike Avon Oeming con il suo tratto inconfondibile.

Vi racconto qualche aneddoto sempre no spoiler per concludere.

Nel 7° numero della serie entra tra i personaggi Warren ‘Planetary’ Ellis come autore di graphic novels!

Compaiono in camei a sorpresa invece – divertitevi a riconoscerli – tra i tanti Madman, Shadowhawk, Hulk, Spawn, Thor, Savage Dragon.

Mentre a loro volta i personaggi e gli autori di Powers vengono ospitati in Crossover della Image.

In definitiva, se amate polizieschi e superpoteri NON potete lasciarvi sfuggire la riproposta del capolavoro dell’Autore in edizione cronologica e integrale con le nuove miniserie inedite per l’Italia.

Fidatevi di Nessuno

Gotcha!

Transmetropolitan è una serie a Fumetti di Warren ‘PLANETARY’ Ellis, resa graficamente da Darick W. Robertson e pubblicata dalla DcComics 1997 – 2002 in 60 albi (dal # 13 linea Vertigo) più 2 speciali.

L’edizione italiana è PlayPress nel ’98, RwLion 2012 e Panini dal 2021.

Spider Heraclitus Jerusalem è il protagonista, un personaggio divenuto iconico ed inserito dalla IGN (Imagine Games Network, società di giochi e media di intrattenimento di San Francisco) al 45º posto tra i più grandi eroi nella storia dei Fumetti.

Trama:

Questa è la storia di uno di noi(!), un personaggio tossicodipendente cinico e violento, un giornalista politicamente scorretto che fuma, si droga, ama il sesso ma soprattutto l’autoerotismo, mangia schifezze, ha un’ironia sferzante e come missione personale la ricerca della verità fine a sé stessa, senza compromessi.

In uno scenario non molto dissimile purtroppo dalla realtà, dove paranoia e pessimismo sono parole chiavi che ritraggono un mondo violento retto dal caos e dalla sregolatezza, ecco muoversi il nostro eroe, Spider Jerusalem, in una perenne ricerca della verità nell’America della paura, marcia fino al midollo e anestetizzata dai continui stimoli dell’innovazione tecnologica. Le strade sono tappezzate di variegati monitor, come maxi-schermi sulle facciate degli edifici o incastonati nelle mattonelle dei marciapiedi, sui quali un insieme di media condiscendenti e anestetizzanti propagano un intrattenimento di basso livello composto da contenuti volgari e notizie di trascurabile importanza, per evitare di trattare elementi più seri e nello stesso tempo addormentare le coscienze della parte più vasta della sua popolazione. Quella chiamata La Nuova Feccia, che si incontra quotidianamente per le strade o ci vive, che appartiene alla fascia media o addirittura sotto la soglia di povertà, che il protagonista cerca di aiutare con il proprio lavoro ma che fondamentalmente resta anestetizzata dalla tecnologia ed alla quale non interessa la verità, sommersa quotidianamente dalle fake news che proliferano senza controllo proprio come da noi, oggi.

Disponibilità al momento del Post(06-02-26)

PANINI

Prezzo € 34,00 Cad. x 5 Volumi oppure DCAbsolute € 70,00 Cad. x 3 Volumi

Nessuno:

E’ una serie decisamente anticonvenzionale, politicamente scorretta e carica di cinismo.

Ma che pone un fondamentale interrogativo al lettore… fino a che punto un essere umano può definirsi tale?

Domanda esistenziale che ovviamente non trova risposta nel Fumetto ma che stimola una riflessione di carattere etico.

La vera lezione cui tuttavia aspira Transmetropolitan è quella di non sottovalutare le capacità che il buon giornalismo dispone per fare la sua parte nella società.

Quindi la figura del reporter deve valersi del giornalismo come missione e mezzo per aprire gli occhi alla gente.

Come spesso ripeto in Fumetteria, tutti noi dobbiamo essere in grado di leggere le informazioni in nostro possesso, decriptarle e contestualizzarle, per essere in grado di interpretare la realtà che ci circonda oggi come lo era quella nel passato.

Abbiamo quindi il dovere di decodificare nel modo più sincero i fatti del mondo.

La cultura dell’informazione e contemporaneamente della verità potrebbe davvero essere quella in grado di salvare il mondo.

Conoscenza e capacità di giudizio/valutazione.

Quindi leggetelo perché è divertente, c’è fantapolitica, ultra-violenza, satira ed una profonda riflessione dei nostri tempi.

Fidatevi di Nessuno

Gotcha!

Preacher è il CAPOLAVORO di Garth (Hellblazer, PRO, Hitman, The Boys, Punisher) Ennis e Steve Dillon, pubblicato dall’etichetta Vertigo della DC dal 1995 al 2000 e con le cover di Glenn ‘Slaine’ Fabry.

In totale la serie consta di 75 numeri, 66 albi regolari mensili a cui si aggiungono 5 speciali ed una mini serie limitata di 4 numeri dal titolo Saint of Killers.

La Magic Press per l’Italia pubblica l’edizione per la prima volta in 12 volumi brossurati.

Segue la Planeta De Agostini con la serie da edicola composta da 18 volumi, una edizione di pregio in 3 volumi Omnibus e l’edizione a 100,00 € in BOX limited.

Arriva RW Lion con l’edizione in 6 volumi in formato gigante.

Panini, infine, edita l’intera saga dapprima nel classico formato brossurato in 9 volumi, ristampandola nell’edizione attuale.

E’ anche una serie televisiva statunitense sviluppata da Evan Goldberg, Seth Rogen e Sam Catlin per la nota AMC e trasmessa nel 2016 rinnovandola fino al 2019 con altre tre stagioni.

Trama:

Un predicatore squattrinato che vive ad Annville, piccola cittadina del Texas, Jesse Custer, viene posseduto da Genesis, una creatura soprannaturale che nasce dall’accoppiamento innaturale e non autorizzato tra un angelo e un demone, durante un incidente che provoca la morte della sua intera congregazione di fedeli e rede al suolo la sua chiesa. Con la potenza di rivaleggiare con lo stesso Dio (i suoi poteri gli permettono infatti di farsi obbedire da chiunque attraverso la “Parola di Dio”), Custer intraprende un viaggio cercando letteralmente Dio colpevole di aver lasciato il Paradiso nel momento in cui nasce Genesis. Insieme a lui ecco la sua vecchia ragazza Tulip e un vampiro irlandese alcolizzato di nome Cassidy. In questa epica impresa conosceremo il Graal, potentissima organizzazione segreta custode della discendenza di Cristo intenzionata a scatenare l’Armageddon e il terribile Santo degli Assassini: pistolero immortale ed infallibile sguinzagliato dagli stessi angeli con il fine di eliminare Custer prima dell’Apocalisse. E aggiungete alcool, droga, sesso, un fiume in piena di volgarità ed una serie di trovate grottesche che nemmeno potreste immaginare.

Preacher è uno sguardo britannico lucido e profondo su un’America buia, sporca, malata e purtroppo attuale, un Fumetto nello stesso tempo divertente, grottesco, provocatorio, una miscela esplosiva e cruda in salsa western condita di temi religiosi, violenza estrema, horror, umorismo nero, insomma un lungo road movie all’americana che amerete o odierete.

Disponibilità al momento del Post(29-01-26)

PANINI

Prezzo € 95,00 Cad. x 3 Volumi DC Absolute

oppure

Prezzo € 18,00/22,00 Cad. x 9 Volumi(brossurati)

Nessuno:

Chi mi conosce sa bene quello che ripeto sempre di Preacher a chiunque mi chieda un consiglio.

E’ il Fumetto con il soggetto più difficile da raccontare e riassumere in poche frasi per spiegarne la complessa trama senza farne spoiler.

Negli anni ho trovato la mia descrizione.

Preacher è l’incredibile storia dell’accoppiamento innaturale tra un angelo e un demone che genera un’entità, Genesis, la quale possiede il predicatore Custer e inizia la ricerca di Dio in vacanza sulla Terra per fargli rendere conto del caos in cui ha lasciato il Paradiso… ma, in fin dei conti, non è altro che il racconto della meravigliosa storia d’amore tra Jesse e Tulip.

Ora, i numerosi protagonisti e comprimari che compongono l’opera hanno indiscutibilmente tutti un fascino che porta il lettore a venerarli senza distinzione fra bene e male eppure… Jesse è speciale.

Spinto da uno spirito guida dalle parvenze di quel monumento a stelle e strisce del vecchio John (Wayne, chi altri?) a tal punto da farne suo il credo recitato dall’Attore nell’intramontabile classico Hondo: «A man oughta do what he thinks is best»

Jesse è il classico antieroe fatto di alcool, tabacco e parolacce che non accetta mai compromessi, non si piega e non ha esitazioni su quale sia la cosa giusta, costi quel che costi, un ‘cowboy’ integro, con una via da seguire e un obiettivo che nulla e nessuno può impedire.

A proposito dell’Autore di Hellblazer e Hitman, Preacher è scritto proprio nel mezzo, il parlare di fede, spiritualità e religione in maniera così estroversa da risultare indubbiamente fastidioso per i credenti, non deve però far cadere nell’errore di ritenere l’opera blasfema, perché sbagliereste tutto compresa l’opinione che potreste avere dello stesso Autore.

Infine il disegno, dove le tavole pulite e lineari di Dillon dicono tutto della capacità di saper bilanciare storytelling e spettacolarità e di far risultare memorabili tutti i numerosissimi personaggi della serie.

Aneddoto per concludere, Kevin ‘Clerks’ Smith nell’introduzione al volume:

“Lasciatemi assicurare a coloro che ritenessero spiritualmente discutibile questo libro, che io so, anima e cuore, che il Signore è giusto, amorevole ed imparziale… ed è un grandissimo fan di Preacher.”

Fidatevi di Nessuno

Gotcha!

Strangers in Paradise (SiP) è una serie a Fumetti scritta e disegnata dall’autore statunitense Terry Moore. La prima miniserie di 3 numeri è stata pubblicata dal 1993 al 1994 dall’editore indipendente Antarctic Press. I tredici numeri componenti la seconda miniserie furono invece pubblicati dall’Abstract Studio di proprietà dell’autore dal 1994 al 1996. La terza regolare serie fu pubblicata inizialmente dalla Image/Homage Comics, una etichetta della WildStorm di Jim Lee, ma dopo soli otto numeri ritornò all’Abstract Studio, mantenendo la stessa numerazione per concludersi infine nel maggio 2007 con il numero 90. Tragicomiche purtroppo le vicissitudini dell’edizione italiana, iniziata dall’editrice Castelvecchi, nel 1998, in volumi rilegati che rispecchiavano gli originali americani, a seguire da Macchia Nera e Lexy per concludersi nel 2008 con il volume 24 con Free Comics/Free Books (a cui si deve anche una riedizione economica in formato bonellide), per approdare alla BAO e all’attuale riedizione in sei volumi brossurati di grande foliazione.

Negli anni SiP ha vinto un Eisner nel 1996 come Miglior serie, un Ruben nel 1997 e un premio Glaad nel 2001, sempre nella categoria Miglior libro.

L’opera nasce dalla mente e della mano dello sconosciuto autore Moore, esordiente sia alle sceneggiature che ai disegni senza aver fatto alcuna gavetta e intenzionato a seguire le orme di altri due suoi famosi colleghi, Dave ‘CEREBUS’ Sim e Jeff ‘BONE’ Smith, quella cioè di non appoggiarsi né alle big come Marvel e DC, ma nemmeno agli editori emergenti Image e Dark Horse, per autoprodurre la sua creazione in modo da mantenerne il controllo totale.

Trama:

La trama principe(!) ruota attorno alle figure di Katina ‘Katchoo’ Choovanski e Francine Peters, ragazze che si conoscono dai tempi del liceo, con la prima innamorata profondamente della seconda che al contrario si considera la sua migliore amica, con l’aggiunta di David inizialmente, innamorato della stessa Katchoo e nel prosieguo di ulteriori nuovi personaggi e situazioni thriller legate al difficile passato di Katchoo.

SiP è, come si potrebbe dire nel linguaggio di oggi, una sorta di Slice of Life (“spaccato di vita”), che all’epoca della pubblicazione si impose divenendo il simbolo della rivincita del Fumetto ‘indie’ di qualità, sconvolgendo i lettori per i personaggi insoliti ed una miscela unica tra amore, commedia, mistero, senza dimenticare che la storia è innanzitutto una straordinaria avventura di una grande amicizia.

Disponibilità al momento del Post(22-01-26)

BAO

Prezzo € 28,00 Cad. x 6 Volumi + Strangers in Paradise – Venticinque anni Dopo € 18,00

Nessuno:

All’interno della Biblioteca di Nessuno è l’attesa terza e ultima delle mie serie Indie=indipendenti venerate che si aggiunge alle già recensite Bone e Elfquest.

“Se c’è una cosa che ho imparato è che non si può tornare a casa ogni volta che si vuole, che non si può sempre trovare nel prossimo un sorriso… e che, senza amore, siamo solo stranieri in Paradiso.”

Come recitava all’epoca lo strillo di lancio della serie, SiP è fondamentalmente la storia di due ragazze con le palle e di due ragazzi tra le palle.

Io adoro SiP, è davvero una delle mie opere preferite e in assoluto quella più poetica.

E una delle serie che maggiormente ho fatto negli anni leggere alle ragazze.

SiP è un Fumetto che io consiglio a tutti e reputo fondamentale e imprescindibile nella collezione di chiunque, indipendentemente dal genere di letture seguite.

Come Kevin ‘Clerks’ Smith, Moore è indubbiamente un vero e proprio nerd e non perde occasione di ricordarcelo infilando supereroine e riferimenti alla cultura pop non appena possibile.

Sono inoltre caratteristici e unici i vari inserimenti all’interno dell’opera di contenuti solo all’apparenza estranei che integrano dando nuovo senso alla storia:

Le pagine dedicate a testi di canzoni. Queste sono connesse al personaggio di Griffin Silver, cognato della nostra Francine e all’interno di Strangers in Paradise celebre e discusso cantautore. Griffin è l’alter ego dell’autore che prima di mettere su famiglia lavorava proprio come musicista. Un altro inserimento sono le pagine romanzate che approfondiscono in tono più serio le scene della sottotrama ‘thriller’. L’ultimo contenuto extra-fumetto è il racconto a puntate intitolato Molly e Poo, firmato Molly Lane, ex fidanzatina del fratello di Francine ai tempi del liceo, nonché protagonista di una vicenda di cronaca nera al centro dei riflettori.

Adesso vi parlo del Terryverso.

Oltre a SiP, Moore ha scritto negli anni tre ulteriori serie… inutile a dirsi che le consiglio assolutamente tutte.

Ecco il Terryverso, con Motor Girl, Echo, Rachel Rising.

Tutte ovviamente ruotano intorno a protagoniste femminili: un’ex soldatessa con un gorilla per amico, una giovane fotografa che viene investita da un’esplosione nel cielo a cui segue una misteriosa pioggia di gocce metalliche che si coagulano ricoprendola interamente di una sostanza che le conferisce dei poteri ed una ragazza uccisa che si risveglia e si accorge di non poter morire.

Con l’uscita di Strangers in Paradise XXV scritto appunto per il venticinquennale allo scopo di raccontare come la tranquillità di Katchoo e Francine viene ancora una volta messa in pericolo dal passato che ritorna, Moore ha dichiarato:

“Ho realizzato quattro serie a fumetti. In questa nuova serie Strangers in Paradise XXV, conto di metterle tutte insieme in una panoramica complessiva… lo chiamo Terryverso. Nessun altro ne parla in questi termini ma io sì.”

Per spiegarvi l’amore che ho per SiP basta forse dirvi che non ho ancora trovato il coraggio di leggere Strangers in Paradise XXV per la paura di non rivedere più dopo questo volume altre storie delle mie ragazze Katchoo e Francine.

Infine, come d’abitudine, una nota sul disegno estremamente realistico dei dettagli delle ragazze, perché molti Autori a Fumetti dovrebbero prendere lezioni dal buon Terry quando si tratta di ritrarre il corpo femminile partendo dalle acconciature, peso (!!!), vestiti, per giungere alle inevitabili variazioni dell’età, nel proseguimento degli anni.

Fidatevi di Nessuno

Gotcha!

Nausicaa è un Manga scritto e disegnato dall’animatore e regista giapponese Hayao Miyazaki, pubblicato nella serializzazione originale da Tokuma Shoten, sulla nota rivista Animage, dal 1982 al 1994 in 59 capitoli, adattato nell’omonimo Anime cinematografico (primi sedici capitoli) nel 1984 per la regia dello stesso autore con la distribuzione Toei Company.

E’ risalente al luglio 1993 la prima edizione in lingua italiana per Granata Press, in 23 fascicoletti di cinquanta pagine, mentre all’attuale editore, Panini, si deve la pubblicazione in 7 volumi di inchiostro color seppia che rispecchia fedelmente l’edizione originale, a cui segue la ristampa con traduzione in italiano di alcuni termini prima mantenuti in giapponese o in inglese o con la traduzione letterale.

Sempre la Animage premia Nausicaa con l’ Anime Grand Prix quale “miglior personaggio femminile” nel 1985 e con il vertice della classifica de “i migliori personaggi di tutti i tempi” (prima eroina in assoluto a rientrare in questa categoria) dal 1987 al 1993, dopo essere retrocessa al secondo posto nel maggio del 1991 e al terzo nel dicembre 1992, mentre dall’altra parte dell’oceano, il webzine statunitense IGN nel 2014 la collocò al nono posto della classifica dei migliori 25 personaggi Anime di sempre.

Estratto da Wikipedia sull’origine del personaggio:

Miyazaki concepì il personaggio di Nausicaa dopo un lungo processo creativo e a partire dal naufragio di un adattamento animato del fumetto Rowlf di Richard Corben (pubblicato nel 1971 sui numeri 16 e 17 della rivista Voice of Comicdom e poi riproposto a colori nel 1979-1980 su Métal Hurlant), che lo aveva molto colpito per la storia, incentrata su una principessa protetta dal suo cane. Infatti, riscontrando molte somiglianze con la fiaba europea La bella e la bestia, egli era deciso a trarne un anime in cui vi fosse un’eroina che incarnasse i temi «della devozione e dell’altruismo». In un secondo momento però aveva cambiato idea, deluso proprio da questa protagonista «troppo blanda», e allora aveva immaginato di scrivere una sceneggiatura originale su una ragazza «dal carattere forte, traboccante di sensibilità e bloccata da un padre incompetente»; l’aveva chiamata Yala e le aveva cucito addosso il ruolo di una giovane principessa «costretta a sopportare il peso schiacciante del destino». Nelle intenzioni iniziali, suo padre, in seguito a una malattia, avrebbe dovuto lasciarle il fardello di guida del regno e dei sudditi, imbrigliando così le sue aspirazioni personali. Riprendendo il concept dell’opera di Corben, nelle sue avventure ella sarebbe stata costantemente accompagnata da un cane, suo compagno e sostegno «fin dalla giovane età», e che sarebbe diventato poi la base per l’animaletto di Nausicaa, Teto. Parallelamente, Miyazaki era stato ispirato anche dalla lettura di una traduzione giapponese di un romanzo sulla mitologia greca dello scrittore statunitense Bernard Evslin, Piccolo dizionario di mitologia greca, in cui aveva appreso per la prima volta l’esistenza di Nausicaa, personaggio omerico del poema epico greco l’Odissea. Aveva trovato il nome di lei «molto fresco e vigoroso» ed era rimasto incantato, oltre che dalla sua storia e dalla sua personalità, soprattutto dalla premura dimostrata verso il naufrago Ulisse, trovato svenuto sulla spiaggia dell’isola dei Feaci. Inoltre gli ricordava la protagonista di una fiaba giapponese che aveva letto da bambino, Mushi mezuru himegimi, contenuta nella raccolta Tsutsumi chunagon monogatari, una ragazza appartenente a una famiglia aristocratica giapponese che preferiva la compagnia e lo studio degli insetti alle occupazioni tipiche di una donna del suo rango nobiliare. Furono questi i due modelli, fusi insieme, dai quali nacque la Nausicaa della Valle del Vento, le cui fattezze vennero create a partire dai bozzetti preparatori del defunto adattamento di Rowlf. Successivamente, per il rapporto speciale con il vento e per i poteri telepatici che ella possiede, l’autore prese spunto da alcune vecchie traduzioni di certi scritti sull’Europa medievale, in cui v’era riportato che il controllo del vento era considerato, al tempo, un atto di stregoneria, mentre guardò al ciclo di Earthsea, la serie di romanzi fantasy dell’autrice e glottoteta statunitense Ursula K. Le Guin (che all’epoca era arrivato al terzo capitolo, La spiaggia più lontana, pubblicato nel 1972) per mutuare il termine “Maestro del vento”, da “Master Windkey”, epiteto per coloro i quali sono in grado, come Nausicaa, di interpretare quasi istintivamente le intricate correnti atmosferiche e cavalcarle con sicurezza.

Nausicaa è un’opera di ampio respiro, epica e ricca di sottotrame (seguirne tutto il soggetto non è semplice per nulla) che anticipa tutte le produzioni cinematografiche di Miyazaki.

Tratta numerosi temi, tutti altresì importanti (allo stesso modo) per l’autore a partire dal messaggio sul rispetto per tutte le forme di vita: il tema ambientalista è evidente dall’inizio della storia, quando viene spiegato che la distruzione della civilizzazione esistente e l’avvento di una giungla tossica inospitale e in continua espansione nota come Mare della Putrefazione è causata dalle azioni scellerate dell’uomo.

E così il nichilismo, il ruolo delle donne della società, il militarismo e l’assurdità della guerra (ritorna il rispetto per tutte le forme di vita), l’utopia e domande esistenziali sul senso della vita e la religione.

Trama:

Principessa della Valle del Vento, reame fittizio di una terra post-apocalittica a causa del cataclisma bellico chiamato i Sette giorni di fuoco che ha annientato la civiltà umana nonché l’ecosistema originale, Nausicaa succede al padre malato alla guida del popolo, motivata dal grande amore verso gli altri e verso la vita stessa, in virtù del quale riesce a stringere un rapporto speciale con tutti gli animali ed a studiare l’ecologia del suo mondo e del Mar Marcio/Mare della Putrefazione, un complesso e tossico sistema di flora e fauna sviluppatosi in seguito alla guerra che si sta espandendo in tutto il territorio.

«Quando i redattori della rivista Animage mi proposero di realizzare un manga, pensai di stendere il progetto per una mia versione del personaggio di Nausicaa. Fu una sorta di condanna, perché così facendo mi resi conto ancora una volta di non avere alcun talento per i fumetti, come avevo già compreso in passato. Ma ormai non importa più: accada quel che accada, voglio che la mia Nausicaa giunga finalmente a conquistare la libertà e la pace.» – Miyazaki

Disponibilità al momento del Post(07-01-26)

Panini

Prezzo € 12,90 Cad. x 7 Volumi

Nessuno:

Nausicaa è una favola per adulti.

“ La vita è luce che splende in mezzo alle tenebre ”

Un tema a me caro nel Fumetto come nella cinematografia è quello dell’Eletto/predestinato.

Constantine, Preacher, Dragonero, Lazarus Ledd, Dampyr, Magico Vento, Zagor come Avatar, Highlander, Matrix, Star Wars, Unbreakable…

In effetti, la protagonista appartiene indiscutibilmente alla famiglia dei messia, per me assolutamente identificata da Paul ‘Muad’dib’ Atreides (Colui che Indica la Via), personaggio messianico della saga letteraria fantascientifica di Dune dell’autore statunitense Frank Patrick Herbert ed ulteriore fonte d’ispirazione per Miyazaki.

Mentre però il Kwisatz ‘Lisan al Gaib’ Haderach di Dune rivendica questo status mistico, non accade per Nausicaa che resta nello stesso tempo un’eroina forte (intelligente e pacifista) come un’anima tormentata per la quale non puoi che provare un misto di ammirazione ed affetto.

E’ il merito di Miyazaki che umanizza la nostra eroina e rende la sua psicologia straordinariamente complessa, rendendola capace delle gesta del classico eroe maschile per ribaltare tutto nella sequenza successiva, dove la giovane mostra subito un gran rimorso per quello che ha fatto, forte e al contempo estremamente vulnerabile.

L’originalità della storia che rende imprescindibile e coinvolgente l’opera sin dalla prima lettura, è tutta qui, nell’ambientazione incredibile, nell’eroina di cui non potete che innamorarvi, nella tragica e commovente avventura che ancora oggi a quasi 45 anni dalla pubblicazione del primo capitolo in Giappone stupisce, cattura e inevitabilmente affascina il lettore.

Una nota ancora sul disegno.

E’ una gioia di atmosfere e colori che colpiscono gli occhi in ogni singola pagina.

Questo alternando tavole di rara bellezza che miscelano i momenti poetici con le sequenze d’azione.

E’ l’unico Manga realizzato dall’Autore insieme al romanzo grafico de

IL VIAGGIO DI SHUNA (Giappone 1983 / 2023 per l’Italia BAO € 22,90 cartonato € 14,90 brossurato)

oltre alla collaborazione sul romanzo

LA TORRE DEGLI SPETTRI DYNIT € 23,00 attraverso 16 splendide tavole a colori da lui realizzate e firmandone la copertina.

Il famoso fumettista francese Jean ‘Moebius’ Giraud dopo aver visto negli anni Ottanta una VHS (piratata) del film d’animazione procuratagli dal figlio e rimanendone affascinato, scelse di chiamare sua figlia Nausicaa.

Infine, il primo sito informativo mai creato sullo Studio cinematografico Ghibli venne proprio intitolato Nausicaa.net

E dopo quasi un anno dalla mia ultima recensione torna la Biblioteca con i titoli più importanti nella ultracentenaria storia del Fumetto… stay tuned!!!!!

Fidatevi di Nessuno

Gotcha!

Tetsuwan Atomu(Atom dal braccio di ferro) è un Manga scritto e disegnato dal Mangaka Osamu Tezuka (Toyonaka, 3 novembre 1928 – Tokyo, 9 febbraio 1989), fumettista, animatore, produttore televisivo/cinematografico.

La sua prolificità e le tecniche pionieristiche gli valsero il soprannome di “Dio dei Manga”.

Basti solo pensare ad uno dei tratti distintivi dell’animazione giapponese, gli “occhioni”, inventati dall’Autore basandosi sui personaggi dei cartoni animati dell’epoca, come Topolino e Betty Boop.

Per la prolificità invece la raccolta Complete Manga Works of Tezuka comprende oltre!!! 400 volumi e più di 80.000 pagine, a fronte di una produzione stimata di 700 storie per oltre 170.000 tavole.

Discendente di Hattori Hanzo, celeberrimo samurai vissuto nel periodo Sengoku (1467-1600), Tezuka era amante del baseball e fan di Walt Disney, in suo onore venne nominato l’asteroide 3998 Tezuka.

Astro Boy/Astroboy in occidente, conta 23 volumi pubblicati in Giappone dal 3 aprile 1952 al 12 marzo 1968 su Shonen di Kobunsha della Kodansha.

Originariamente il protagonista della serie nasce all’interno di Atom Taishi(lett. “Atom l’ambasciatore”), un’opera precedente dello stesso Autore.

Ad oggi, Atom è un personaggio immortale tanto da essere stato legalmente registrato come cittadino giapponese e nominato ambasciatore ufficiale della cultura del Giappone nel mondo.

Tuttora in corso invece Atom: The Beginning, Manga di Tetsuro Kasahara in collaborazione con Makoto Tezuka e Masami Yuki, serializzato inizialmente sul Monthly Hero’s di Shogakukan dal 1 dicembre 2014 al 30 ottobre 2020 e continuato su Comiplex dal 27 novembre 2020, opera prequel di quella di Tezuka.

A livello televisivo/cinematografico nel 1959 esce Astro Boy, serie televisiva in live action e primo adattamento televisivo del Manga.

La serie animata in bianco e nero prodotta negli anni 1963-1966 (193 episodi) dalla Mushi Production, studio d’animazione storico dell’Autore, rivoluzionò l’animazione giapponese, tanto da essere oggi considerata il primo esempio di Anime della storia.

Nel 1980 venne fatto un remake ed una nuova serie di 50 episodi venne prodotta invece nel 2003.

Infine Astro Boy (2009): film d’animazione statunitense, un cortometraggio datato 2003 e svariati video giochi.

Per quanto riguarda il Manga, in Italia in 5 volumi l’opera è stata compattata in un’antologia da Planet Manga Panini nel 2005.

E ora finalmente in edizione cronologica ed integrale dall’editore Jpop.

Trama(Wiki/Jpop):

Ambientata in un mondo futuristico dove i robot convivono con gli esseri umani, Astro Boy è un bambino meccanico dai sentimenti e dall’intelligenza umani.

Creato dal geniale dottor Tenma – all’epoca capo del ministero della scienza – con le sembianze del proprio figlio rimasto vittima poco prima di un incidente mortale.

In quanto sostituto del figlio morto, lo scienziato lo tratta inizialmente come tale ma poi si rende conto che un robot non può colmare il vuoto prodotto dalla scomparsa del vero figlio tanto più che Astro non può crescere.

Deluso, Tenma lo vende al proprietario di un circo ma, dopo qualche tempo, il nuovo capo del ministero della scienza s’accorge casualmente del robot mentre questi si esibisce durante uno spettacolo e lo convince a seguirlo e, dopo averlo preso con sé, ne diviene tutore legale.

Avendo poteri e capacità superiori a quelli della media umana, Astro diviene un difensore della giustizia contro la criminalità e i mali del mondo.

Disponibilità al momento del Post(29-01-25)

Jpop

Prezzo € 15,00 Cad. x 9 Volumi

Nessuno:

Perchè fra tutte le opere del Maestro la recensione di Astro Boy?

Altre sono più meritevoli, forse, nella Biblioteca di Nessuno(e non le menziono comunque), ma la storia del piccolo Atom è Tezuka in tutto il suo magnifico splendore.

Dicono il Manga non presenti una vera e propria trama e sia un insieme di storie autoconclusive in cui il nostro eroe ne vedrà di tutti i colori.

Vero, forse.

E’ datato nei testi e nei semplici disegni… vero, forse.

Manca una vera e propria introspezione psicologica dei personaggi e anche qui vero, forse, ma accidenti, Tezuka è del 1928, la serie del 1952, credo piuttosto che molti dovrebbero invece conoscere il significato ormai smarrito di contestualizzare.

C’è il tema a lui caro dell’ecologia, la necessaria e rinfrancante buona dose di sentimenti e messaggi che in quegli anni la gente di tutto il mondo bramava.

Alla New York World’s Fair del 1964 Tezuka incontrò Walt Disney, il quale si complimentò con l’Autore per il personaggio di Atom nella speranza di fare qualcosa insieme un giorno.

Persino Stanley Kubrick era un suo ammiratore, tanto da richiederne la collaborazione negli effetti visivi per l’immortale 2001: Odissea Nello Spazio (cortesemente Tezuka avrebbe però declinato)

E infine Urasawa.

Pluto è un Manga di Naoki ’20th Century boys’ Urasawa pubblicato sulla rivista Big Comic Original della Shogakukan dal 9 settembre 2003 al 5 aprile 2009 in otto volumi Tankobon.

Basato sulla serie di Astro Boy, rinarra l’episodio intitolato Il più grande robot del mondo rinominandolo col nome dell’antagonista principale dell’opera.

Coautore il Mangaka Takashi Nagasaki mentre lo stesso figlio di Tezuka, Makoto, ha supervisionato la serie alla quale ha contribuito anche la Tezuka Productions.

Un successo di pubblico e di critica, tra i premi anche il IX Premio Culturale Osamu Tezuka (2005) e oltre le 8,5 milioni di copie vendute.

Nel 2010 il Seiun Award, miglior Manga e infine nel 2023 un fedele adattamento Anime dell’opera con Netflix.

Leggete con estrema attenzione l’introduzione nel primo numero e capirete l’importanza di Astro Boy, Pluto e Urasawa.

Fidatevi di Nessuno

Gotcha!

E’ un Manga ideato dalla coppia Buronson e Tetsuo Hara.

Serializzato in Giappone su Weekly Shonen Jump dalla casa editrice Shueisha in 245 capitoli pubblicati dal 13 settembre 1983 all’8 agosto 1988 e raccolti in 27 Tankobon.

La prima edizione italiana della serie è Granata Press.

Inizialmente serializzata nel mensile Zero dal 1990, dal sedicesimo capitolo la pubblicazione è passata nella testata Z Compact a cadenza mensile e successivamente quindicinale.

La pubblicazione ha subito un processo di occidentalizzazione per rendere il Manga leggibile da sinistra verso destra con relativo ribaltamento delle tavole concludendosi nel 1994 in 44 volumi, inclusi tre speciali editi nel 1993 con i capitoli apparsi solo sulla rivista Zero.

Dal 1997 al 1999 la StarComics ha pubblicato la prima edizione italiana fedele all’originale giapponese, in 27 volumi.

Con un formato più grande, diverse tavole a colori, una nuova traduzione e le onomatopee in giapponese, la D/visual ha rieditato la serie dal 2005 al 2011.

Infine Panini Comics ha commercializzata la serie nel corso del 2013 con 27 uscite settimanali.

Ken il Guerriero è stato adattato in due serie Anime composte da un totale di 152 episodi prodotte da Toei Animation e trasmesse su Fuji Television, dal 1984 al 1988.

In seguito l’opera si è allargata per formare un vasto franchise che comprende i Manga

-prequel Ken il Guerriero: Le origini del mito + Ken il Guerriero: Le origini del mito Re:Genesis

-spin-off Ken la Leggenda 6 volumi

-spin-off Garuda Dalle Ali d’oro – La Genesi Dei Cinque Astri In Cerchio Di Nanto 1 volume

-parodia: DD Hokuto no Ken 8 volumi

-parodia: Hokuto no Ken: Ichigo Aj 9 volumi

romanzi, film anime, OAV, un lungometraggio live action, videogiochi, giochi e merchandising.

I due autori citarono come influenze il cinema asiatico di arti marziali e in particolare Bruce Lee, i film sulla yakuza, mentre per l’ambientazione il western occidentale e la saga di Mad Max, con il suo futuro post-apocalittico in cui è scomparsa ogni struttura sociale e il mondo è dominato dalla violenza e dalla sopravvivenza del più forte.

Lo scenario deve molto anche al Manga Violence Jack di Go Nagai, pioniere di questo genere capace di influenzare a sua volta anche Mad Max.

La serie è una delle pubblicazioni più popolari e influenti degli anni ottanta.

Le vendite totali del Fumetto hanno raggiunto cento milioni di copie, rendendolo tra i Manga più venduti.

Conosciuta per la sua elevata dose di violenza, sangue, azione, come per le urla dei personaggi mentre si affrontano in combattimento e per la frase iconica di Kenshiro poco prima che gli effetti dei suoi attacchi finiscano un avversario: “Tu sei già morto”.

A tal proposito il Manga ha scatenato notevoli controversie a causa della sua rappresentazione della brutalità tanto che nello stesso Giappone l’Anime venne censurato durante la sua prima trasmissione televisiva.

Ed anche qui in Europa si verificarono casi di genitori e giornali che accusavano l’opera di essere quantomeno diseducativa.

Trama

Ambientata su una devastata Terra post-apocalittica dopo una guerra nucleare, la storia si incentra sulla vicenda del guerriero di nome Kenshiro, il 64º successore della sacra Scuola di Hokuto e della sua capacità di uccidere i suoi avversari colpendo i loro punti vitali segreti e provocandone la morte per esplosione interna.

Disponibilità al momento del Post(31-05-24)

Panini

Prezzo € 7,50 Cad. x ? Volumi

Pubblicazione del 40° anniversario con nuove copertine, pagine a colori e in bicromia e molto altro nella versione definitiva del capolavoro di Buronson e Hara

Variant # 14,90

Il primo numero del capolavoro di Buronson e Tetsuo Hara in edizione definitiva è disponibile anche in un fantastico cofanetto contenente l’edizione con copertina variant di

KEN IL GUERRIERO – HOKUTO NO KEN EXTREME EDITION 1 e un’esclusiva cartolina da collezione

Inoltre, tra tutti coloro che acquisteranno il cofanetto, 10 fortunati lettori potranno trovare all’interno un golden ticket che darà diritto di ottenere un esclusivo shikishi di Ken il Guerriero autografato con dedica da Buronson e Tetsuo Hara.

Correte a prenotare il vostro cofanetto!!!!!

Sarete tra i fortunati vincitori?

Nessuno:

Finalmente potrò ri-leggere un Manga/Anime che ho adorato dalla prima volta che ho incontrato Kenshiro alla scuola di Hokuto.

Tempi difficili in una terra senza legge, una cupa e triste rappresentazione della miseria umana nella sua malattia, povertà, sangue, violenza, disperazione.

Bando alla nostalgia e parliamo del Manga.

Per quanto la trama possa sembrare molto schematica o ripetitiva, questa non toglie l’importanza della serie negli anni a venire e l’effetto su Manga e Mangaka futuri.

Ken il Guerriero è il cult del genere grazie soprattutto allo stile grafico ed alla violenza dei combattimenti.

Ma senza ignorare che la serie è ricolma di insegnamenti morali, in cui spicca la figura dell’eroe pronto a sacrificare tutto per amore in uno mondo più desolato che mai nei valori e sentimenti.

Chi da quest’incubo nero Ci risveglierà?

Fidatevi di Nessuno

Gotcha!

Sin City è una serie a Fumetti in bianco e nero realizzata dal maestro Frank ‘300’ Miller e pubblicate dalla Dark Horse.

Tutte le storie si svolgono a Basin City, una città nota anche come Sin City.

La prima pubblicazione avviene sull’albo celebrativo Dark Horse Presents Fifth Anniversary dell’aprile 1991.

Mentre il primo arco narrativo in tredici parti invece sulla collana regolare Dark Horse Presents tra il maggio 1991 e il giugno 1992.

La serie è successivamente raccolta in sette volumi antologici.

Il successo dell’opera fu inaspettato, ma ottenne sia il consenso dei lettori che il plauso della critica addirittura con i 3 Eisner (Awards) nel ’93 come Miglior Graphic Novel insieme a miglior disegnatore in b/n e miglior autore completo.

Nel 1995 Sin City: A Babe To Kill For vince l’Eisner come Best Limited-Series.

Lo stesso anno ottiene il premio Best Short Story (miglior storia breve) per The Babe Wore Red.

Nel 1998 vince l’Eisner come Graphic Album Repint (come nel 1993) per il volume Booze, Broads and Bullets.

Ecco i titoli dei sette volumi antologici dal 1992 al 2000:

-Un duro addio (The Hard Goodbye)

-Una donna per cui uccidere (A Dame to Kill For)

-Un’abbuffata di morte (The Big Fat Kill)

-Quel bastardo giallo (That Yellow Bastard)

-Affari di famiglia (Family Values)

-Alcol, pupe & pallottole (Booze, Broads, & Bullets)

-All’inferno e ritorno (Hell and Back)

Nel 2022 si riprende la produzione del Fumetto, con l’arco narrativo Sin City 1858.

L’opera viene pubblicata da una nuova casa editrice fondata dallo stesso Miller e l’ex-editor e vice-presidente DC Comics Dan DiDio.

Dalle serie sono stati tratti due lungometraggi cinematografici Sin City(2005) e Sin City – Una donna per cui uccidere(2014).

È attualmente in lavorazione una serie TV della Weinstein Company.

Qui in Italia le storie sono state pubblicate da numerose case editrici come Star Comics, Comic Art, Play Press, Lexy Editore, Magic Press, per tornare nel 2024 nuovamente in casa Star.

Disponibilità al momento del Post(12-04-24)

Star

220 pag. – b/n – € 19,90 Regular

220 pag. – b/n – € 24,90 Variant con effetti speciali

220 pag. – b/n – € 79,90 Limited(Una prestigiosa edizione limitata a 1000 copie numerate, con carta di alto pregio e fettuccia segnalibro. Al primo volume si accompagna un cofanetto esclusivo, per raccogliere l’intera serie in edizione LIMITED. La costa dei volumi, inoltre, andrà a comporre una spettacolare illustrazione.)

Nessuno:

In uscita a maggio 2024 il primo dei volumi di Sin City: Un Duro Addio

Primo di sette volumi assolutamente imprescindibili per qualsiasi Biblioteca.

Ma il primo.

E’ la storia di Marv… non la dimenticherete facilmente.

Un Hard Boiled come nessun altro che avete letto.

Se con Batman e Devil, come 300, Miller doveva lottare contro i paletti rappresentati dalle caratteristiche immutabili dell’eroe e dalla storia per quanto romanzata, nella città del peccato finalmente l’Autore può scatenare cinismo e violenza.

Non avete idea.

Potete sfogliare l’albo e restare folgorati dall’essenza delle nuove atmosfere Milleriane.

Ma dovete assolutamente leggere il vero Capolavoro di Frank per riuscire solo in parte a capire quanto il mondo del Fumetto è davvero debitore di quest’uomo…

Fidatevi di Nessuno

Gotcha!

L’Uomo senza Paura (DareDevil The Man Without Fear) è una mini serie di cinque numeri uscita dall’ottobre ’93 al febbraio del ’94.
E’ firmata dal maestro Frank ‘300’ Miller con i disegni di un John Romita Jr. pazzesco.
E’ l’inizio di tutto.
E’ un’opera dall’importanza enorme, dove l’Autore riscrive le origini del nostro Diavolo.
Stick, Foggy, Kingpin e lei, Elektra, la ninja greca primo vero amore di Matt, una storia folle e passionale ma tossica a danni per entrambi.
Prima pubblicazione italiana: MarvelMagazine # 1/3
L’uomo senza Paura è in assoluto la storia che maggiormente ha influenzato la serie Netflix.
Trama
La già difficile vita del giovane Matt Murdock cambia per sempre quando un incidente lo priva della vista.
Quel giorno, però, nasce un eroe, dotato di sensi ipersviluppati e di una volontà di ferro.
La storia narra la progressiva evoluzione del giovane Matt in un vigilante notturno, disposto a fare qualunque cosa per proteggere gli abitanti della città che ama, New York, e specificamente del suo quartiere, Hell’s Kitchen.

Disponibilità al momento del Post(27-03-24)
Panini
Prezzo € 15,00

Nessuno:
E’ un’altra storia assolutamente da leggere per chi volesse avvicinarsi al fantastico mondo dei super-eroi.
Anche se questa storia di supereroistico non ha davvero molto, se non la classica sospensione dell’incredulità relativa all’incidente capitato al giovane protagonista.
E’ una storia di crescita, valori, riscatto, fede.
Una storia di coraggio dove la scelta tra male e bene è indubbiamente difficile, per ognuno di noi.
E’ alfine la storia di uno senza paura perchè un uomo che teme nulla è un uomo che sa non avere nulla senza nemmeno la paura perché ha perso tutto quel che aveva da perdere.
Una miniserie che deve tanto pure ai disegni immediatamente riconoscibili del figlio d’arte italo-americano Romita Jr.
Volti e inquadrature, espressioni incredibili che da sole raccontano la storia.
Osservate New York buia, tempestata dalla pioggia o dalla neve, la fisicità di Elektra o la stazza del gigantesco Kingpin, l’adrenalinica movenza dell’eroe trasformato in ninja metropolitano da una tuta ed una bandana tutta nera.
Guardatela e leggetela, scolpite nella vostra mente la sceneggiatura di uno struggente Miller:
“Tutti sappiano… che hanno un nemico. Devil. Il costume è una buona idea. L’ho cucito io. Dio solo sa come mi sta”.
Prossimamente, ecco tutti i volumi imprescindibili dedicati a DareDevil dei quali vorrei farne la recensione:
RINASCITA
IL DIAVOLO CUSTODE
FATHER
AMORE E GUERRA
REDENZIONE
Fidatevi di Nessuno
Gotcha!

300 è un’opera a Fumetti scritta e disegnata dal maestro Frank ‘Il Cavaliere Oscuro’ Miller con la collaborazione della moglie Lynn Varley, ai colori.

Nella prima edizione ogni singola tavola è stampata su due pagine.

Con la raccolta in volume, le tavole vennero ridotte a una pagina sola con un radicale cambio di formato sviluppato in senso orizzontale.

Pubblicato dalla Dark Horse Comics nel 1998 in cinque albi mensili intitolati Onore, Dovere, Gloria, Combattimento e Vittoria, l’opera è stata raccolta successivamente come unica GraphicNovel nel 1999.

Mentre in Italia l’edizione originale è targata Play Press, nel 1999.

La serie ha vinto sempre nel 1999 tre Eisner Award:

“Migliore serie limitata”

“Migliore scrittore/artista” Miller

“Migliore colorazione” Varley

Zack ‘WATCHMEN’ Snyder dirige l’adattamento cinematografico (2007) con Gerard ‘Leonida’ Butler.

Murro nel 2014 gira il seguito 300 – L’alba di un impero

Ricordo a tutti anche la parodia sempre a Fumetti dell’amico Ortolani: 299+1.

Trama

E’ la narrazione della Battaglia delle Termopili secondo la prospettiva del re Leonida I di Sparta.

L’esercito di Persia, una forza così imponente che la sua marcia fa tremare la terra, è pronto a schiacciare la Grecia, un’isola di ragione e libertà in un mare di misticismo e tirannia.

A ergersi tra la Grecia e questa ondata di devastazione, un manipolo di appena trecento guerrieri.

Ma questi guerrieri non sono semplici uomini… sono Spartani.

Disponibilità al momento del Post(29-02-24)

Star

Cartonato

Prezzo

88 pag. – col. – € 19,90 Reg.

88 pag. – col. – € 29,90 Var.

88 pag. – col. – € 100,00 Lim.

Una prestigiosa edizione limitata (1.000 copie numerate), con cofanetto. Effetto bronzato cold foil.

88 pag. – col. – € 300,00 ULTRALIMITED

Copertina in ecopelle, profili pagina metallizzati e angoli metallici!

Nessuno:

Il buon Frank è uno degli autori che preferisco e dei migliori per qualità/quantità delle Opere prodotte.

Al di là dei soliti denigratori sciocchi e stolti, 300 è un’opera più complessa di quello che appare dal semplice testosterone, eroismo, sacrificio.

E delle inesattezze in alcuni dettagli storici, non è quello l’intento principale della storia narrata.

Una storia che trae ispirazione dalla visione del film degli anni ’60 L’eroe di Sparta di Maté, un kolossal che racconta la vicenda della valorosa difesa degli spartani alle Termopili.

Una storia che merita di essere raccontata e ricordata.

Una storia il cui tratto e disegno diventerà da questo momento in poi il marchio di fabbrica di Miller.

E le citazioni, una delle mie passioni viene esaltata dal Fumetto come dal relativo Film perché tutti abbiamo sentito “Stasera ceneremo nell’Ade”, o la frase: Questa è Sparta!

-Immortali. Metteremo alla prova il loro nome.

-Spartani! Preparate la colazione e mangiate tanto… perché stasera… ceneremo… nell’Ade!

-Racconta la nostra storia. Che ogni greco sappia… cosa è successo qui. E’ una grande storia da raccontare. Una storia di vittoria.

-“Questa è blasfemia! Questa è pazzia!” “Questa… è… Sparta!”

-“Spartano!” “Sì, mia signora.” “Ritorna con il tuo scudo… o su di esso.” “Sì, mia signora.”

-“Perché questa donna osa parlare tra gli uomini?” “Perché solo le donne spartane partoriscono uomini veri.”

-‘Ricorda chi eravamo.’ L’ordine più semplice che un re possa dare. ‘Ricorda perché siamo morti.’ Lui non desiderava tributi… o canzoni… o monumenti, o poemi di guerra e coraggio. Il suo desiderio era semplice. ‘Ricorda chi eravamo.’ Così mi ha detto.

E se così dice Leonida, io non vedo perché di quest’avventura nel tempo il ricordo andrebbe interrotto.

Fidatevi di Nessuno

Gotcha!

Il volume raccoglie una miniserie a fumetti di quattro numeri su Superman realizzata dalla coppia Jeph Loeb (testi) e Tim Sale (disegni) con Bjarne Hansen (colori).

La mini è stata pubblicata in America dalla DC Comics tra il settembre e dicembre 1998.

Narra dell’avventura e trasformazione del bambino arrivato dal cielo e cresciuto da normale ragazzo del Midwest sino a diventare Superman.

Questo attraverso le quattro stagioni narrate rispettivamente da Jonathan Kent, Lois Lane, Lex Luthor e Lana Lang che dimostreranno quanto non siano i poteri a rendere Superman un eroe, ma una profonda umanità.

Contiene: Superman: For All Seasons # 1/4, Superman/Batman (2003) # 26, Superman/Batman: Secret Files (2003) # 1, Solo (2004) # 1.

La serie ricevette una nomination agli Eisner del 1999 come “Miglior miniserie” e candidature a Loeb come “Miglior scrittore”, Sale come “Miglior disegnatore” (vinto) e Hansen come “Miglior colorista”.

Ed inoltre è stata d’ispirazione per la serie Smallville.

Straordinaria la sceneggiatura di Loeb con voce narrante tipica del Cinema di una volta, ricca di citazioni (cinematografiche e letterarie) e con monologhi e dialoghi indimenticabili.

I disegni di Sale, resi con un semplice tratto chiaro e delicato, volutamente creano una raffigurazione stilistica dei personaggi in una dimensionalità statuaria, quasi Michelangiolesca.

Mentre i colori di Hansen ne accentuano delicatezza e armonia con una davvero azzeccata tonalità pastello.

Per la cronaca, questa mia recensione arriva per l’85° anniversario dell’Uomo d’Acciaio e per il 25° della miniserie.

Disponibilità al momento del Post(31-01-24):

Panini

Prezzo € 26,00

Nessuno:

“Avrei potuto fare di più.”

Se non leggete questa recensione per motivazioni quali ‘niente super-eroi grazie’ o ‘io non sopporto Superman’ non ci siamo proprio…

Questa è la biblioteca di Nessuno.

Significa che in questo elenco in continuo aggiornamento troverete il meglio del Fumetto mondiale.

E in particolare come dico sempre tutto quello che deve essere assolutamente presente in una biblioteca che si rispetti.

Perché Superman è Superman?

Questo volume risponde alla domanda con la straordinaria indimenticabile narrazione della crescita del ragazzo che diventa uomo.

Con i superpoteri, però.

E consapevole che come ognuno di noi, con un innato senso di responsabilità, abbiamo dei limiti “Avrei potuto fare di più.”.

La sceneggiatura/dialoghi di Jeph unita all’eccezionale talento della coppia formata da Tim e Bjarne rende questo volume imperdibile.

Romantico, commovente, nostalgico, un tuffo nel cuore.

Credetemi, dopo aver letto Stagioni vorrete provare a volare.

“Avrei potuto fare di più.”

E aiutare tutti.

“Ricordatelo, puoi fare tutto ciò che ti viene in mente… finché ci crederai con tutto il cuore.”

“Il problema di questa faccenda del ‘principe azzurro’, ovviamente, è che ci sono tutti gli ingredienti per un disastro. Una donna ha in mente questo uomo ideale, e dal momento che non esiste, nessuno ne è all’altezza. E poi arriva Superman… e incasina tutto.”

“La difficoltà non è tanto capire che hai dei limiti… quanto imparare a lavorarci su.”

“Spesso la donna giusta può aiutare l’uomo giusto a trovare le risposte che cerca.”

“Ci sono scelte che ognuno di noi fa non solo per fare del bene, ma anche per ispirare gli altri.”

“In tempi come questi, non è facile ricordare che spesso durante le avversità veniamo ricompensati. Che in momenti di crisi, ogni uomo o donna è definito dalle proprie azioni. E sebbene in un albero le foglie ingialliscano per lasciarlo spoglio, poi verrà la primavera. Durante la quale quello stesso albero esploderà di fioriture, più forte dopo la prova dell’inverno. Dobbiamo essere grati per le stagioni, non importa quanto crudeli o dure possano sembrare. Perchè solo con il loro alternarsi… possiamo apprezzare il futuro.”

“Nella vita si può essere certi solo di due cose: si nasce e si muore. E non hai voce in capitolo per nessuna delle due. Ma quello che fai nel mezzo… su quello hai il controllo, su come vivere la tua vita.”

Prossimamente, ecco tutti i volumi imprescindibili dedicati a Superman dei quali vorrei farne la recensione:

ALL STAR SUPERMAN

SUPERMAN: THE MAN OF STEEL

SUPERMAN: L’UOMO E IL SUPERUOMO / MAN AND SUPERMAN

SUPERMAN: ORIGINI SEGRETE

SUPERMAN: CHE COSA E’ SUCCESSO ALL’UOMO DEL DOMANI?

SUPERMAN: SU NEL CIELO

LA MORTE E IL RITORNO DI SUPERMAN

Fidatevi di Nessuno

Gotcha!

The Walking Dead è una serie a Fumetti Survival Horror di 193 numeri, statunitense, pubblicata a cadenza mensile dalla Image dall’ottobre 2003 sino al luglio 2019, creata dall’Autore Robert Kirkman e illustrata da Tony Moore per i primi 6 numeri e da Charlie Adlard successivamente.

Romanzi, albi speciali e una nuova miniserie ancora in corso di pubblicazione sono l’eredità di una delle più importanti saghe a Fumetti della storia dei Comics.

Un adattamento televisivo, The Walking Dead, prodotto dalla casa AMC, con il regista Darabont in veste di produttore esecutivo nonché regista e sceneggiatore di alcuni episodi, ha esordito il 31 ottobre 2010 negli USA.

E ad essa hanno e tuttora fanno seguito serie parallele e spin-off.

Tratta delle vicissitudini di un gruppo di persone che cercano di salvarsi da un’invasione di zombie che ha portato al crollo delle istituzioni e alla fine della civiltà così come noi la conosciamo.

Disponibilità al momento del Post(31-05-23):

SALDAPRESS

Cartonato # 1-16 € 29,00 Cad.

Brossurato # 1-32 € 13,90 Cad.

Compendium (cartonato) # 1-4 € 95,00 Cad.

Compendium (brossurato) # 1-4 € 55,00 i primi due € 59,90 gli ultimi due

Cofanetto 6 albi: Color Edition Spillato # 1-?(tuttora in corso) Cad. 21,00

Raccolta # 1-9 € 19,90 Cad.

Edizione da Edicola # 1-70 € 2,90/3,90 Cad.

Edizione da Edicola a Colori # 1-70 € 4,90 Cad.

The Walking Dead Chromium Cover # 100 € 9,90

e numerosi albi speciali e sequel da verificarne la disponibilità

Nessuno:

Quanto adoro The Walking Dead e Rick.

Uno dei miei fumetti preferiti, finale della serie compreso.

Da tutti condivisa, la trama del comics di Kirkman può essere semplicemente tradotta come la storia del vice-sceriffo Rick Grimes, risvegliatosi dal coma nel pieno dell’apocalisse zombie che ha sconvolto il pianeta.

Questi va alla ricerca della propria famiglia e inizia così un lunghissimo viaggio in cui dovrà combattere per la propria vita, per quella delle persone che ama e per riconquistare una forma di umanità che sembra sempre sul punto di scomparire una volta per tutte.

Un’avventura senza fine, fino alla fine della vita stessa.

Così nella prefazione iniziale l’Autore spiega: “vorrei che i Film di Romero non finissero mai – ma questo non succederà mai perciò farò il Film di zombi che mai non finisce”.

Queste a seguire le varie considerazioni già condivise fino alla nausea in Fumetteria.

Nella serie The Walking Dead non è importante sapere della provenienza degli zombie, chi è il “paziente zero” e cosa alfine ha portato il mondo all’apocalisse.

Anzi, nemmeno hanno particolare importanza gli zombie.

Ne sono, semplicemente, il contesto, come potrebberlo esserlo nello stesso tempo la furia della natura, gli alieni, gli indiani nel western.

Oltretutto gli zombie di Kirkman sono lenti, goffi, numerosissimi e mediamente pericolosi, come da tradizione devono e sono sempre stati fin dalla prima loro apparizione.

Il vero Leitmotiv dell’intera narrazione è piuttosto la disumanizzazione dell’individuo quando è messo al limite fisico e psicologico, portandolo a perdere la sua natura o a rivelare quella vera, latente per molti anni.

Gli zombie servono unicamente come mezzo per permettere allo scrittore di svolgere la vera trama che si può riassumere così:

“Quando hai tutto da perdere, quanto sei disposto a sacrificare della tua umanità per quello in cui credi, ovvero… fin dove è possibile spingersi pur di salvare sé stessi o le persone che si amano?”

Il vero incubo di The Walking Dead non è la sopravvivenza in un’apocalisse zombie, è invece la salvezza dell’umanità.

Umanità non intesa come razza, ovviamente.

Ma l’essenza stessa, dell’umanità.

E’ tutto quello che abbiamo dentro e che dovrebbe differenziarci dai mostri, dagli zombi, dai governatori folli come da gangster spietati e da pazzi dittatori.

Qualcosa che ognuno di noi deve riscoprire anche nei momenti più difficili.

Lo scopo ultimo del ‘gioco’ è rimanere umani quando tutto intorno a te vuole costringerti a diventare un mostro.

Per concludere, da appassionato di citazioni quale sono, nel Fumetto si sprecano:

“Voi credete che ci rifugiamo dietro mura e recinti per proteggerci dai morti viventi! Ancora non l’avete capito? Noi siamo i morti viventi!”

“Si sentiranno molto stupidi quando lo scopriranno.” “Scopriranno che cosa?” “Che hanno fatto incazzare le persone sbagliate!”

“Questa non è più una democrazia!”

In particolare quest’ultima è diventata nella mia Fumetteria un vero e proprio cavallo di battaglia personale.

Fidatevi di Nessuno

Gotcha!

Bryan “Le Avventure Di Luther Arkwright” Talbot, 24 Febbraio 1952, è l’Autore ‘inglese’ punto di riferimento di quello che un Graphic novel può essere e/o dare, sia a chi lo fa che a chi lo legge.

LA STORIA DEL TOPO CATTIVO è una mini serie di quattro numeri qui raccolta in volume, pubblicata originariamente dalla Dark Horse Comics nel 1994.

Graphic novel di drammatica attualità racconta la tragica storia di Helen Potter, vittima di abusi sessuali da parte del padre.

Vincitrice:

Don Thompson Award for Best Limited Series

Eisner Award For Best Graphic Album: Reprint

UK Comic Book Award For Best New Publication

La trama della storia vede la protagonista affrontare un viaggio che la porta attraverso l’Inghilterra urbana e rurale lungo lo stesso percorso che un’altra Potter, Beatrix, nota autrice per l’infanzia e creatrice di Peter Coniglio, aveva già attraversato.

Helen inizia così a vagare per Londra con l’unica compagnia di un topolino (che richiama appunto i racconti della scrittrice), fino a scappare lontano, il più lontano possibile per non rimanere a contatto con nessuno.

E proprio in mezzo al nulla, la sua vita potrà riprendere, ma non prima di avere affrontato il padre, che ha abusato di lei.

Disponibilità al momento del Post(25-03-23):

Tunuè

Prezzo € 19,90

Nessuno:

E se lo dice lui:

“È una storia realizzata con amore sul significato ed il valore della finzione e dell’arte, su ciò che prendiamo dal passato e su ciò che portiamo al futuro.” Neil ‘SANDMAN’ Gaiman

E io che sono Nessuno aggiungo… una delle storie che una biblioteca degna (di essere denominata appunto tale) necessariamente deve avere per essere letta da tutti.

L’amico Bryan costruisce una storia ‘potente’ sugli abusi sessuali ai minori ed Helen diventa il cavaliere in armatura davanti ai suoi demoni personali.

In anni (sono passati quasi tre decenni) nei quali era incredibilmente difficile sia denunciare questo genere di eventi che riuscire ad ottenere l’aiuto psicologico fondamentale per superare traumi di tale gravità, l’Autore è riuscito a farci aprire gli occhi con argomenti purtroppo ancora incredibilmente attuali.

I molteplici premi/nomination all’opera testimoniano l’importanza e l’impatto del volume.

La Storia Del Topo Cattivo è inoltre un testo importante ancora oggi utilizzato in molti centri di assistenza in tutto il mondo:

«Gli adolescenti maltrattati spesso hanno difficoltà a parlare della propria situazione, ma riescono a discutere di quella di Helen, e questo li aiuta a trovare il modo per parlare di sé.»

L’elaborazione del trauma che Helen compie è da manuale, in senso letterale perchè le parole che riesce a gridare sono scelte con estrema cura a partire da libri di aiuto psicologico e interviste a vittime di violenza sessuale.

Il testo riesce davvero a fornire un’adesione alla realtà così fedele da renderlo un vero e proprio strumento didattico presente da anni in molti dei centri antiviolenza inglesi.

Perchè in Helen si identifica il simbolo di tanti disagi giovanili, non solamente di abusi.

E nella storia possono vedersi tutte le fasi del lutto, applicabili in generale sia a grandi dolori che alle perdite: negazione, rabbia, depressione e infine l’accettazione.

C’è in Helen la sofferenza del distacco e del disinteresse genitoriale, la voglia di fuggire, la dura vita che si affronta stando da soli, ma anche la rivalsa di chi ci prova e riprova, ammettendo di avere problemi e lavorandoci sopra, singolarmente e anche forzandosi a chiedere aiuto.

E se al principio Helen si considera un topo cattivo (appunto), una bestiola da cui tutti si vogliono tenere alla larga, è grazie a se stessa e all’aiuto di persone fidate, che arriverà a non ritenersi la colpevole ma bensì la vittima.

Il topo è la sua e la nostra coscienza, l’anima, il simbolo della fiducia che ha in se stessa e che cresce da quando Helen è in fuga.

La fuga/viaggio della protagonista non è solamente fisico, è un percorso dentro di lei e verso il suo riscatto, in cui la vediamo diventare una donna consapevole che si lascia alle spalle la fragile, povera bambina affossata dalle colpe altrui.

Una lettura che insegna che non bisogna addossarsi colpe non proprie e che attraverso fatica, pazienza e dedizione, tutti meritiamo di conquistarci la nostra serenità.

Infine.

Graficamente la storia ha molto da dire.

Il tratto dell’Autore è incisivo, marcato ed i colori utilizzati cambiano in base al sentiero intrapreso.

Nelle tavole ambientate in città i colori sono cupi, scuri, per cambiare quando la protagonista giunge in aperta campagna, dove si giunge ad una scelta decisamente più calda, confortevole.

Le persone sono tutte ispirate dalla vita reale.

E così i luoghi, per la maggior parte tratti da fotografie di locations reali.

Una bellissima storia che ha illuminato il mio cammino.

Fidatevi di Nessuno

Gotcha!

Invincible è un Fumetto statunitense ideato e scritto da Robert ‘THE WALKING DEAD’ Kirkman e realizzato da Cory Walker e Ryan Ottley per Image.

La serie inizia il 22 gennaio 2003 e termina il 14 febbraio 2018 con 144 numeri.

Il 4 aprile 2017 è stato annunciato che Point Gray Pictures e Skybound produrranno invece un film live action con Seth Rogen e Evan Goldberg come sceneggiatori e registi per Universal.

Un adattamento televisivo in animazione da Amazon Prime Video ha debuttato il 25 marzo 2021.

Il fumetto è pubblicato qui in Italia da Saldapress.

Trama

La serie segue le vicende del supereroe Mark Grayson, primogenito di Omni-Man, il più forte eroe del pianeta.

Mark Grayson è un normale adolescente, tranne per il fatto che suo padre Nolan è il supereroe più potente del pianeta, noto come Omni-man.

Poco dopo il suo diciassettesimo compleanno, Mark inizia a sviluppare dei poteri propri, dovuti al fatto che suo padre è un membro della razza Viltrumita, che, secondo Nolan, viaggia per la galassia in una missione di benevolenza e illuminazione per le altre specie.

Inizialmente la trama si concentra su Mark mentre inizia a lavorare come supereroe con il nome di Invincible, con suo padre che funge da mentore

Un colpo di scena del tutto inaspettato trasforma Invincible in qualcosa di completamente diverso, ribaltando completamente la prospettiva su di essa.

Disponibilità al momento del Post(24-02-23):

Saldapress

Prezzo € 35,00 x 9 Volumi Edizione Omnibus

Nessuno:

L’aspetto più unico che raro della serie è sicuramente la presenza ai testi dell’Autore per tutta la sua vita editoriale.

Un fenomeno ritrovabile forse solo nel Savage Dragon di Erik Larsen sempre Image Comics

Quest’ultima ancora in corso oggi.

Ma è, almeno inizialmente, nello svolgimento delle tante scenette di vita familiare, con trovate leggere e divertenti su temi adolescenziali, l’aspetto che sorprende, strega e cattura il lettore numero dopo numero.

Finchè succede qualcosa, e la storia cambia e prende una piega davvero inaspettata.

E poi il sangue che fuoriesce letteralmente dalle pagine.

Per anni le scazzottate tra super eroi sembravano non avere una singola conseguenza sui corpi dei tizi in costume.

Qui il sangue scorre a fiumi invece.

Non mancano drammi e scene emotivamente intense.

Forse oltre un certo punto di vista la trama sembra prevedibile, forse.

Ma non è così.

Fidatevi di Nessuno

Gotcha!

Eden: It’s an Endless World! è un Manga scritto e illustrato da Hiroki Endo (qui al suo esordio come serie regolare), Autore di All Rounder Meguru, Planet Of The Fools, Soft Metal Vampire

Originariamente pubblicato sulla rivista Afternoon di Kodansha dal 25 settembre 1997 al 25 giugno 2008 per 127 capitoli, è stato poi raccolto in complessivi 18 volumi.

Qui in Italia il Manga è stato pubblicato da Panini, prima nella collana Manga 2000 ma dal volume 15 al 18 in monografico, per essere poi ripubblicato in un’edizione Deluxe in 9 volumi, dal 9 agosto 2012 al 9 gennaio 2014.

Recentemente l’editore ha iniziato una nuova ristampa in edizione cartonata, il motivo di questa recensione oggi.

Eden ha ricevuto una nomination al Seiun nel 2009 come miglior serie di fantascienza, ed è ritenuto il miglior Manga del 2007 da Wizard.

La serie viene ritenuta il successore spirituale di Akira di Katsuhiro Otomo, da cui trae l’ambientazione fantascientifica e cyberpunk condita da una situazione politica descritta minuziosamente.

Varie le tematiche affrontate all’interno del Manga, dalla crudeltà e cinismo presenti nell’animo umano, alla morale, la guerra e le discriminazione razziale e religiosa.

Trama

Un pericolosissimo virus denominato Closer Virus, ha sterminato gran parte della popolazione terrestre.

Il suo metodo di attacco è allo stesso tempo semplice e micidiale: trasformare la pelle in materiale corneo, sino a portare l’ospite alla morte.

Alcune persone presentano però un’immunità naturale a questo virus, come Enoa e Hana, due ragazzini che vengono rinchiusi in una sorta di Eden dove potranno ripopolare la Terra.

Disponibilità al momento del Post(00-01-23):

Panini

Prezzo € 24,00 Cad. x 9 Volumi – EDEN ULTIMATE EDITION

Nessuno:

Considero l’opera di Endo come il migliore Manga di fantascienza mai uscito.

L’inizio apocalittico, tutto azione e adrenalina, si evolve ben presto sul thriller con intrighi politici e sociali (tra i quali la ricerca della felicità, la povertà estrema, tossicodipendenza, discriminazioni, guerra) divenendo, senza però schierarvisi, una sorte di riflessione sull’uomo, sull’agire umano e sulla varietà stessa del genere umano.

Una storia dura e crudele, dove l’estrema violenza di cui è pervasa, non è però mai fine a se stessa nè gratuita.

E’ altresì caratterizzata da una evidente tematica cyberpunk e da una forte impronta filosofica.

I dialoghi estremamente realistici sono a tratti spaventosamente crudi.

Tanti sono i personaggi della vicenda narrata, ciascuno dei quali caratterizzato da una propria personalità, psicologia, carisma.

Nessuno compare mai per caso, fidatevi.

E’ fantascienza, ribadisco, non lasciatevi ingannare da spiegazioni minuziose e spesso in contrapposizione alla realtà, rischiando a una facile e superficiale lettura di perdere in credibilità.

Graficamente, il tratto anche in questo caso estremamente realistico di Endo è clamoroso, nei personaggi come anche nei dettagli, scene e sfondi assolutamente da paura.

Debitore di Akira, ovviamente.

Quindi… non aspettate che quest’ultima edizione sparisca dagli scaffali.

Fidatevi di Nessuno

Gotcha!

Claymore è un Manga scritto/disegnato da Norihiro Yagi.

E’ stato pubblicato dal 2002 al 2014.

Mentre l’Anime, una produzione di Madhouse, è stato trasmesso dal 3 aprile 2007, sul canale giapponese Nippon Television, al 25 settembre 2007, e consta di 26 episodi che adattano solo i primi 11 volumi e che hanno una conclusione diversa dall’andamento dell’opera originale.

Editato in Italia dalla Star, è ora riproposto in un’edizione completamente identica a quella originale giapponese, a differenza della precedente, con sovraccoperta, illustrazioni sotto la sovraccoperta e con un altro disegno in quarta di copertina e non la copertina ripetuta, ritraduzione con onomatopee e traslitterazioni di nomi corrette.

Sempre del Mangaka è attualmente in corso l’adattamento della sua opera successiva: Ariadne in the blue Sky.

Trama:

La storia di Claymore è ambientata in un mondo immaginario di tipo medievale in cui esistono dei mostri chiamati yoma, divoratori di esseri umani e capaci di assumerne l’aspetto.

Contro questa minaccia, una misteriosa organizzazione senza nome spedisce delle guerriere chiamate Claymore, capaci di sentire la presenza degli yoma attraverso lo yoki (definita “forza diabolica” nell’edizione italiana).

Claire è una di esse, membro dell’organizzazione.

Viaggia solitaria di paese in paese e compie i numerosi incarichi assegnatole dall’organizzazione finché non incontra Raki, un ragazzo che salva da uno yoma che ha ucciso tutta la sua famiglia e che si unisce a lei nel viaggio, supportandola e aiutandola a mantenere la propria umanità.

Continuando a combattere contro gli yoma ed i risvegliati, alla ricerca di Priscilla, una ex-Claymore ora risvegliata che ha ucciso la sua salvatrice anni prima e verso cui esige vendetta.

L’ambientazione di Claymore è un mondo di fantasia con vari riferimenti all’Europa medioevale, diviso in un grande numero di città-stato separate tra loro dove gli umani coesistono con dei mostri chiamati yoma.

Questi strani esseri si cibano di esseri umani e hanno la capacità di alterare la propria forma per nascondersi all’interno della società, in attesa del momento giusto per nutrirsi; il modo più facile per mimetizzarsi è prendere le sembianze di un umano recentemente divorato, di cui con la carne lo yoma acquisisce anche i ricordi.

Le città aggredite dagli yoma, o in cui si suppone possano esservene celati, assoldano le Claymore per debellarli.

L’Organizzazione crea le guerriere impiantando carne e sangue di yoma nei corpi umani, producendo in tal modo degli ibridi in grado di superare in forza e potenzialità gli stessi mostri grazie anche all’addestramento intensivo ed alle notevoli doti intellettive.

Queste guerriere vengono chiamate dagli abitanti dei centri urbani Claymore, dal nome delle grandi spade a doppio taglio che esse utilizzano.

Le abilità basilari di una guerriera includono una rigenerazione rapida, una limitata capacità di trasformazione corporea, nonché la capacità di percepire altre guerriere e demoni presenti nelle vicinanze, una maggiore tempra fisica che non necessita di cibo anche per lunghi periodi, il non soffrire né il caldo né il freddo e il non invecchiare.

Esse indossano tutte la stessa uniforme che differisce unicamente nelle spille che sorreggono il mantello e nel simbolo personale, enormi spade, le Claymore, molto poco utilizzabili da parte degli umani per la loro eccessiva grandezza e pesantezza; fisicamente sono caratterizzate da splendenti occhi argentei e capelli chiari tra il biondo e l’argenteo, per questo soprannominate “streghe dagli occhi d’argento”.

Inoltre i poteri demoniaci insiti in ogni guerriera tendono ad incrementare con il tempo e l’utilizzo, con il rischio che la Claymore perda tutta la sua umanità e si trasforma essa stessa in uno yoma altamente intelligente chiamato risvegliato.

Disponibilità al momento del Post(07-12-22):

Star

Prezzo € 5,90 Cad. x 27 Volumi

Nessuno:

Claymore da sempre viene considerato il Berserk al femminile.

Notevoli però sono le differenze nel disegno, nella coralità e nella qualità mantenuta altissima per tutto il corso dell’opera.

E da sempre considero difficile classificarlo, uno Shonen che tende al Seinen.

Bellissima la caratterizzazione dei personaggi, secondari compresi.

L’ambientazione, un mondo di sangue e morte che ti sorprende dietro l’angolo.

E i valori, amicizia, coraggio, sacrificio.

Il disegno, non certo paragonabile al livello artistico di Miura, è in continua crescita e adoro personalmente la somiglianza e identificazione delle Claymore.

Una trama a mio avviso mai scontata, corale nel rapporto tra le guerriere, mai alcuna parentesi comica, nè momenti di stanchezza narrativa.

Infine, una conclusione emozionante e senza lasciare niente all’immaginazione.

Se non sperare, come ho sempre fatto, in una seconda serie o un possibile spin-off.

Approfittate ORA della nuova edizione dal mese scorso in corso di pubblicazione.

Fidatevi di Nessuno

Gotcha!

Berserk è un Manga di Kentaro Miura.

Serializzato in Giappone da Hakusensha sulla Rivista Young Animal dal 1989, in seguito alla tragica morte dell’autore, avvenuta nel maggio 2021, a partire dal 24 giugno 2022 la serie viene portata avanti dall’amico Koji Mori.

L’autore, al quale per sua ammissione Miura aveva rivelato a grandi linee lo svolgimento e la conclusione della storia che aveva in mente, è aiutato dal precedente curatore della serie e dallo Studio Gaga, un collettivo formato dagli aiutanti dello stesso Miura.

Il successo della serie ha portato alla realizzazione di una prima serie televisiva Anime (1997), di una trilogia di film tra il 2012 e 2013, Berserk – L’epoca d’oro e di una ulteriore serie televisiva in due stagioni tra il 2016 e 2017, oltre a diversi videogiochi.

Panini è l’editore italiano sin dalla prima edizione che risale all’agosto 1996.

In seguito sono state edite diverse ristampe che portano il nome di Berserk Collection, Maximum Berserk, Berserk Collection Serie Nera.

Da novembre 2022 ecco l’attesa Deluxe Edition.

Trama, questo l’incipit iniziale

In una sorta di Medioevo alternativo, Gatsu è un formidabile guerriero mercenario che nella vita non ha conosciuto altro che guerra e violenza.

Nato dal cadavere di una donna impiccata, all’età di due anni Gatsu perde a causa della peste anche la madre adottiva, venendo quindi allevato nella compagnia di ventura del padre adottivo, Gambino, dove impara fin dalla tenera età a combattere per sopravvivere.

Questi è tuttavia un padre distaccato e violento: in un raptus di rabbia tenta di uccidere Gatsu, che, nel tentativo di difendersi, trafigge a morte il padre, vedendosi quindi costretto a lasciare la compagnia.

Combattendo spietatamente sui più svariati campi di battaglia, Gatsu attira l’attenzione del carismatico leader della Squadra dei Falchi, Grifis, il quale lo sconfigge a duello e lo costringe a entrare a far parte della sua compagnia di mercenari.

Gatsu, nel periodo che segue, sviluppa una profonda ammirazione per Grifis, sperimenta per la prima volta affetto e amicizia per i suoi nuovi commilitoni e si innamora di Caska, braccio destro del leader.

I riferimenti creativi, per stessa ammissione dell’autore, sono film come L’amore e il sangue di Paul Verhoeven, Ladyhawke di Richard Donner e Hellraiser di Clive Barker, oltre alla celebre saga di romanzi giapponese Guin Saga, mentre per lo stile grafico debitore invece è Nagai.

Il primo lavoro di Miura su quello che sarebbe diventato Berserk risale all’anno 1988 ed è un one-shot di 48 pagine intitolato Berserk – The Prototype.

L’opera, scritta dall’autore per il concorso della scuola Manga ‘Comi’ della casa editrice Hakusensha, sfociò nella proposta da parte degli editori di una serializzazione in quella che divenne l’attuale Berserk.

Il capitolo autoconclusivo venne in seguito pubblicato come bonus nel # 14 della serie associato all’arco narrativo Capitoli della Condanna.

Infine, nel 2018 è stato pubblicato il ROMANZO Il Cavaliere Del Drago Di Fuoco, su testi di Makoto Fukami, con illustrazioni di Miura incentrato sul cavaliere Gurnbeld.

Disponibilità al momento del Post(19-11-22):

Panini

BERSERK DELUXE EDITION # 1 di 12 Prezzo € 50,00 Cad. COPERTINA in SIMIL-PELLE

oppure

Collection # 1/40 € 5,50 Cad.

COLLECTION # 41

VOLUME CORRISPONDENTE AL TANKOBON CHE RACCOGLIE BERSERK 81 E 82

168 pag. – b/n – € 5,20

Oppure Special Edition – Un volume speciale, fedele replica della pubblicazione originale corredato da gift esclusivi un poster da collezione e un quadretto di cm 20×30 con un’immagine inedita € 19,90

Nessuno:

Tra le recensioni fatte sinora, questa è l’unica di una pubblicazione tuttora in corso.

Perchè?

Beh, in primo luogo perché la Deluxe in uscita ora è qualcosa di imperdibile nonostante il prezzo davvero elevato.

E perché l’opera di Miura è altrettanto imperdibile.

Questo nonostante la fine sia ancora un mistero e la serie non sempre all’altezza dei suoi archi migliori.

Ma dico questo.

A mio parere, con il cosiddetto periodo dei Falchi, fino all’ascesa dell’eclissi, Berserk raggiunge uno degli assoluti vertici narrativi del Fumetto mondiale.

Nella caratterizzazione dei personaggi, nei dialoghi, nell’intensità del pathos e della trama che diviene capitolo dopo capitolo sempre più coinvolgente.

Aspettiamo la fine, ma indipendentemente da quest’ultima il Manga resta una presenza fondamentale in una biblioteca che si rispetti.

Fidatevi di Nessuno

Gotcha!

Elfquest è un Fantasy ideato dai coniugi Wendy e Richard Pini.

La prima storia di Elfquest, Fire and flight, fu pubblicata nella primavera del 1978, sul primo numero della collana Fantasy quarterly dell’etichetta Indipendents Publishers Syndacate negli Stati Uniti.

Ma a causa del fallimento dell’editore la collana venne chiusa.

Gli autori tentarono allora l’autoproduzione, seguendo quanto aveva fatto qualche mese prima Dave ‘Cerebus’ Sim, fondando una loro casa editrice, la WaRP Grafics (dall’acronimo dei loro nomi Wendy and Richard Pini).

Così la WaRP iniziò la pubblicazione della prima serie nell’agosto 1978 e continuò le pubblicazioni fino al recente 2003 quando cedette i diritti del Fumetto mantenendo tuttavia il controllo della serie.

Qui in Italia la casa editrice Macchia Nera/Acme editò la serie fino al numero 33 dal 1997 al 2000, anno in cui il fallimento della casa editrice stessa portò alla chiusura anticipata dell’opera.

Successivamente ecco l’edizione 001 Edizioni con la pubblicazione dell’arco principale avvenuta nel 2015.

Non è MAI uscito il cofanetto per raccogliere l’intera saga annunciato nel 2018 e del quale purtroppo abbiamo perso le tracce.

Elfquest si compone innanzitutto di tre serie principali serializzate dal 1978 al 1990.

Ad esse si sono aggiunte dal 1992 altre 9 serie.

Queste approfondiscono le tematiche della saga principale sia raccontando le vicende di alcuni personaggi che esplorando l’universo di Elfquest.

Le serie principali:

Elfquest (Elfquest Original Quest), 20 episodi

Assedio alla montagna azzurra (Siege At The Blue Mountain), 8 episodi

I sovrani della ruota spezzata (Kings Of The Broken Wheel), 9 episodi

Le miniserie successive:

Hidden years, 29 episodi

Shards, 16 episodi

New blood, 35 episodi

Blood of ten chiefs, 20 episodi

The rebels, 12 episodi

Jink, 12 episodi

Kahvi, 6 episodi

Two-Spears, 5 episodi

Wavedancers, 4 episodi

Trama:

La serie narra delle peripezie della tribù elfica Wolfriders, in particolare del loro capo Cutter.

Nel fantastico mondo a due lune dove risiedono, questi vagano alla ricerca dei propri simili e della propria storia.

Una storia che ha origine negli Elfi Alti, viaggiatori provenienti da un lontano pianeta che abbandonarono per cercare nuove forme di vita.

Anche per i temi molto controversi (omosessualità, razzismo, poligamia, integrazione, sessualità) è stato una pietra miliare nella storia del Fumetto.

E’ inoltre l’unico Fumetto ad essere pubblicato negli anni da tutti e tre i principali editori USA.

Dapprima la Marvel che ristampò la serie a colori nel 1985.

I diritti passarono alla Dc nel 2003 con l’ulteriore ristampa e l’uscita delle graphic intitolate “The Searcher and the Sword” e “The Discovery”.

Nel 2013 con la pubblicazione del nuovo capitolo delle avventure di Cutter è la volta della Dark Horse.

Oltre alle ristampe in bianco e nero di tutta la produzione della serie.

Il culmine del sodalizio viene raggiunto in occasionale del quarantennale della serie (28 Febbraio 2018) con la pubblicazione del finale che i fan attendevano ansiosamente da anni.

E quest’anno Realm dal 1 settembre 2022 e tuttora in corso presenta l’audio movie.

Infine è la più lunga serie di graphic novel fantasy indipendente con oltre 15 milioni di copie vendute nel mondo.

Disponibilità al momento del Post(12-10-22):

001Edizioni

Prezzo € 19,00 Cad. x 4 Volumi

Nessuno:

Il mio commento alla prima recensione di questa Biblioteca di Nessuno iniziava così:

Bone è uno dei miei 3 Fumetti ‘indipendenti’ – cioè NON legati alle grandi major come Marvel o Dc – preferiti!!!

Non chiedetemi quali sono gli altri due, prossimamente li troverete in questo Album.

Ecco, Elfquest è un altro dei 3 Fumetti ‘indipendenti’ che preferisco.

Spero presto di commentare anche il terzo.

Elfquest mi piace da impazzire, i valori di amicizia, fratellanza, sacrificio, lealtà, tanto mi sono cari quanto sono alla base della serie esattamente come per 20th Century boys (Cutter come Kenji).

Ora, nonostante la datazione dell’opera dica 1978, Elfquest non risulta per nulla datato e, anzi, risulta ancora oggi una lettura appassionata e appassionante, fresca e davvero coinvolgente.

A mio parere un Capolavoro.

L’accostamento a Tolkien non è inoltre sbagliato.

Quindi se proprio non amate il Fantasy classico, non vi consiglio di provare la storia creata dai coniugi Pini.

Fidatevi di Nessuno

Gotcha!

Death Note è un Manga ideato e scritto da Tsugumi Oba e illustrato da Takeshi Obata.

È stato serializzato in Giappone dal 1º dicembre 2003 al 15 maggio 2006 sul settimanale Weekly Shonen Jump dalla casa editrice Shueisha per un totale di 108 capitoli.

Viene successivamente raccolto in dodici volumi tankobon dal 2 aprile 2004 al 4 luglio 2006.

L’edizione italiana è stata curata da Planet Manga Panini che ha pubblicato l’opera dal 19 ottobre 2006 al 18 settembre 2008.

La prima ristampa della serie, in formato 13×20, è intitolata Death Note Gold in versione regular e deluxe con sovraccoperta.

L’8 novembre 2012 è iniziata la pubblicazione di una ristampa a cadenza bimestrale intitolata Death Note: Black Edition, conclusasi il 19 settembre 2013 per un totale di sei volumi.

Oltre ai volumi della serie regolare, è stato pubblicato anche un tredicesimo capitolo, intitolato Death Note 13: Guida alla lettura.

Quest’ultimo contiene il riassunto della storia, le schede dei personaggi e l’elenco delle strategie da loro utilizzate, la lista completa delle regole del Death Note, una doppia intervista agli autori Oba e Obata.

Insieme ad un’intervista a Oba sulle questioni irrisolte della storia e alcuni sketch comici con i protagonisti di Death Note.

È inoltre presente il capitolo pilota one-shot di 55 pagine, con cui Oba e Obata hanno presentato per la prima volta il Manga sulle pagine di Weekly Shonen Jump

Nel 2020 gli autori hanno realizzato un capitolo one-shot di 87 pagine, ambientato anni dopo gli avvenimenti della serie principale e con un nuovo protagonista: Minoru Tanaka.

Alla serie Manga hanno fatto seguito numerose opere: una serie televisiva Anime di 37 episodi, cinque lungometraggi, una miniserie televisiva live action, un dorama, un musical, due light novel e vari videogiochi.

Il remake hollywoodiano di Warner Bros. una volta accantonato ha lasciato Netflix libero di rilevarne i diritti e distribuire il Film intitolato Death Note – Il quaderno della morte, a partire dal 25 agosto 2017.

«L’umano il cui nome sarà scritto su questo quaderno morirà.»

La storia si incentra su Light Yagami, un brillante studente delle scuole superiori che trova un quaderno dai poteri soprannaturali chiamato Death Note, gettato sulla Terra dal dio della morte Ryuk.

L’oggetto dona all’utilizzatore il potere di uccidere chiunque semplicemente scrivendo il suo nome sul quaderno mentre ci si figura mentalmente il volto.

Light intende usare il Death Note per eliminare tutti i criminali e creare un mondo libero dal male, ma i suoi piani sono contrastati dall’intervento di Elle, un investigatore privato chiamato a indagare sul caso delle misteriose morti dei criminali.

I Death Note sono dei quaderni neri, dall’aspetto comune, in possesso degli dei della morte.

Nel dicembre 2015 è la seconda serie anime con il voto più alto sull’Internet Movie Database, dietro a Fullmetal Alchemist: Brotherhood.

Death Note è stato nominato nel 2007 al Premio Seiun e al Premio culturale Osamu Tezuka ed è risultato vincitore nella categoria miglior anime ai Tokyo Anime Awards

A livello internazionale ha ricevuto una nomination nel 2006 nella categoria miglior manga agli American Anime Awards e ha vinto gli Eagle Awards, sempre nella categoria manga, nel 2008.

La creazione della serie è iniziata quando Tsugumi Oba realizzò alcune vignette per due concept che furono dati alla Shueisha.

Uno dei due lavori, che poi sarebbe divenuto Death Note, fu ben accolto dalla casa editrice e ricevette reazioni positive da parte dei lettori.

Oba ha dichiarato che le idee centrali da cui prende spunto la storia sono le figure degli dei della morte e il rispetto di “regole specifiche” a cui i protagonisti devono sottostare.

Così la sua intenzione era quella di creare una serie ricca di suspense, non sentendosi in grado di realizzare un Manga di combattimenti e considerando che non c’erano molte serie su questo tema.

Quando apprese che Death Note sarebbe diventata una serie a pubblicazione settimanale e illustrata da Obata fu tanto sorpreso da non riuscire nemmeno a crederci.

L’opera è permeata di riferimenti a simboli religiosi cristiani.

Per esempio la croce è un elemento ricorrente sulle copertine di tutti i volumi del manga e compare nell’abbigliamento di Misa e come ciondolo sul braccialetto di Mello.

Anche la sequenza, presente solo nell’adattamento Anime, in cui Elle asciuga i piedi a Light, poco prima di essere ucciso, rimanda alla lavanda dei piedi di Gesù agli apostoli.

Nella sigla iniziale dell’anime si notano dei paralleli tra la scena in cui Naomi Misora regge il corpo di Raye Pember e la Pietà vaticana di Michelangelo.

Oltre a un riferimento all’affresco del Giudizio universale e una scena in cui viene mostrato Light con le mani aperte, nella tipica posa di Cristo.

Un brano della colonna sonora è intitolato inoltre Kyrie e recita l’elegia del Kyrie eleison, preghiera della liturgia cristiana che significa “Signore, pietà”.

Una nota a parte merita infine la figura della mela.

All’inizio del 2005 alcune autorità scolastiche di Shenyang (successivamente Pechino, Shanghai e Lanzhou), la capitale della provincia di Liaoning in Cina, hanno bandito il Manga di Death Note.

Questo perché c’erano stati dei casi di studenti che avevano modificato i loro diari e quaderni per assomigliare a un Death Note e vi avevano scritto i nomi di conoscenti ed insegnanti.

Una reazione simile si ebbe in Russia, dove nel maggio 2013 l’organizzazione dei genitori del circondario federale degli Urali inviò una lettera al presidente Putin invocando il divieto di pubblicazione.

Problemi simili anche in Belgio.

Nello stesso anno, un alto funzionario della Franklin Military Academy di Richmond negli Stati Uniti è stato sospeso dopo essere stato trovato in possesso di una replica di Death Note con i nomi dei suoi compagni scritti su di esso.

Altri casi simili di imitazione del quaderno della morte si sono ripetuti nel 2008.

Prima in una scuola della Carolina del Sud e poi in un istituto a Gadsden, in Alabama.

In Nuovo Messico.

E infine a Gig Harbor, nello Stato di Washington.

Disponibilità al momento del Post(27-05-22):

Panini

Death Note Complete Edition Volume € 66,00

Death Note # 1-13 € 4,90 Cad.

Death Note Black Edition Cofanetto (pieno) € 110,00

Death Note Black Edition # 1-6 € 18,00 Cad.

Death Note Black Edition Cofanetto (vuoto) € 22,00

Nessuno:

Allora, anzitutto non considero nemmeno le controversie scoppiate nel mondo e che ritengo assurde e prive di fondamento.

Come non ritengo giuste le critiche sul decadimento della trama che nella seconda parte non riuscirebbe minimamente a reggere il paragone con la prima.

E nondimeno credo nella eccessiva verbosità dell’opera, come ha detto Oba non è una serie di combattimenti.

Quello che amo del Manga è invece il fatto che la storia non ha un cattivo per antonomasia, ma presenta due punti di vista che si identificano entrambi nel concetto di giustizia.

E l’enigma morale di che cosa fare se ci si dovesse trovare nella stessa situazione di Light, perchè ciascuno di noi verrebbe a confrontarsi forse per la prima volta con i propri dubbi e certezze.

Fidatevi di Nessuno

Gotcha!

«Ragno! Ragno! Brillante di luce. Quale mano od occhio immortale può aver composto la tua tremenda simmetria?»

L’ultima Caccia Di Kraven (Kraven’s Last Hunt) è una saga a Fumetti dell’Uomo Ragno, scritta dal maestro  J.M. DeMatteis, disegnata e inchiostrata dalla coppia Mike Zeck/Bob McLeod e conosciuta come Tremenda simmetria (Fearful Symmetry), titolo ispirato dal verso della poesia di William Blake Tyger (1794), volutamente citata sostituendo “Spider” a “Tyger”:

“Tyger! Tyger! Burning Bright

In the forests of the night:

What immortal hand or eye

Dare frame thy fearful Symmetry?”

Elogiata da pubblico e critica fin dalla sua pubblicazione, è universalmente considerata una delle storie più belle mai scritte sull’arrampicamuri.

Pubblicata nel 1987 sulle testate regolari dell’Uomo Ragno di quel periodo (Amazing Spider-Man, Web of Spider-Man, Spectacular Spider-Man), è suddivisa in sei capitoli:

The Coffin (La bara)

Crawling (Strisciare)

Descent (Discesa)

Resurrection (Resurrezione)

Thunder (Tuono)

Ascending (Ascesa)

Una particolarità, per la prima volta una storia veniva condivisa su più testate contemporaneamente,

creando difficoltà notevoli per i lettori che si appoggiavano al servizio abbonamenti per ricevere ad esempio solo Amazing Spider-Man per mancanza di alternative tra edicole e fumetterie,

i quali sentendosi traditi dalla Marvel reagirono indignati con proteste e disdette.

Gli anni ’80.

Il pubblico stava progressivamente crescendo, rimaneva sì intenzionato a leggere mensilmente i propri eroi preferiti, ma contemporaneamente chiedeva anche tematiche più serie, mature.

Nel 1986 uscivano Watchmen di Moore e Il Ritorno Del Cavaliere Oscuro di Miller.

E De Matteis scrive Kraven’s Last Hunt.

Una storia cupa, ma nello stesso tempo profondamente ‘poetica’, una storia di disperazione e redenzione, di tensioni psicologiche ed argomenti disturbanti, in netto contrasto con la tradizionale rassicurante immagine di eroe solare.

Quanto può sopportare un supereroe prima di spezzarsi?

Una storia che rappresenta senza alcun dubbio il primo e più importante utilizzo del personaggio in una chiave che non sia rivolta solamente agli adolescenti.

Contrariamente all’evento shock (!) del finale, l’Autore ha raffigurato con Kraven un personaggio e la sua personale dimensione tragica.

Tuttavia, a causa delle notevoli polemiche seguite alla storia, DeMatteis volle chiarire il proprio punto di vista nell’one-shot L’anima del Cacciatore,

in cui la stessa anima del personaggio chiarisce il proprio gesto estremo e chiede a Peter,

in virtù del particolare legame stretto tra i due nella storia precedente, di aiutarlo a trovare la pace.

Nell’edizione in volume definitiva è ovviamente compresa anche quest’ultima storia Amazing Spider-Man: Soul Of The Hunter, mancante invece purtroppo dall’edizione Must-Have.

Disponibilità al momento del Post(30-04-22):

Panini

Prezzo € 15,00 edizione Must-Have oppure € 55,00 edizione definitiva cover in ecopelle

Nessuno:

Personalmente, L’ultima Caccia Di Kraven è la mia storia Marvel preferita.

Chi può leggerla?

Tutti, tutti dovete assolutamente leggerla indipendentemente dalla predisposizione verso i Fumetti di super-eroi.

A livello strutturale, la sceneggiatura di DeMatteis è straordinaria.

La narrazione, i dialoghi che si intrecciano con le didascalie che si ripetono sincopate dando alla storia un vero e proprio ritmo.

E la musica cupa, oscura e ossessiva completa il quadro martellante e continuo della tragedia in corso.

Il pathos è da brividi.

E l’amore di Mary Jane Watson verso Peter ne è la salvezza.

Per questo, a differenza di altri eroi, il lato oscuro che cerca di affiorare nel protagonista non ha nessuna possibilità di prendere il sopravvento, la rabbia si quieta.

Grazie a MJ, qui come mai l’ancora di salvezza dell’eroe.

Non ricordo quante volte ho letto questa storia.

Comunque, non abbastanza.

A tutti voi quindi un personale e disperato invito alla lettura di una storia a mio parere leggendaria.

Fidatevi di Nessuno

Gotcha!

Batman: Anno uno (Batman: Year One) è un arco narrativo a fumetti pubblicato dalla DC Comics che rinarra le origini di Batman.

Testi di Frank Miller, disegni David Mazzucchelli.

Prima edizione nei numeri # 404-407 di Batman (febbraio – maggio 1987).

E’ la storia che racconta il primo anno di carriera di Batman e del commissario Gordon.

Perchè il 1987?

All’epoca il terreno era fertile: i Comics stavano vivendo allora un’era chiamata di revisionismo storico-supereroistico, grazie soprattutto al Watchmen di Moore, a “Il Ritorno Del Cavaliere Oscuro” e Devil: Rinascita di Miller stesso, alla Crisis di Wolfman e Perez.

E come Superman fu affidato a John Byrne, a Perez invece Wonder Woman, era tempo di rilanciare anche il terzo componente della sacra Trinità DC, Batman.

Lo stesso Miller si propose come sceneggiatore del rilancio: dopo aver raccontato l’ideale ultima storia del personaggio, voleva chiudere il cerchio raccontandone anche la prima.

Decise però di non illustrare in prima persona la storia, scegliendo Mazzucchelli che aveva collaborato con lui pochi mesi prima su Devil.

La storia sarebbe dovuta uscire in Graphic novel, ma O’Neil allora editor delle testate di Batman propose di serializzare la storia su Batman (serie in crisi di vendite) allo scopo di incrementare il numero di lettori: Anno uno vendette mediamente 180.000 copie a numero più del doppio degli albi precedenti l’arco narrativo.

Nei mesi successivi alla conclusione di Anno uno, sui numeri successivi # 575-578 DC pubblicò Anno due (Mike W. Barr, Alan Davis, Paul Neary, Alfredo Alcala, Mark Farmer e Todd McFarlane).

Mentre a seguire nel 1989 ecco Anno tre, di Marv Wolfman, Broderick e Beatty.

Una curiosità, O’Neil e DC volevano far ripartire la serie dal numero uno ma Miller si oppose in quanto secondo lui non c’era bisogno di azzerare la storia pregressa del personaggio per rilanciarlo!

Batman Year One ha ispirato la seconda metà della quarta stagione della serie televisiva Gotham.

Inoltre questa storia è stata ripresa nel film del 2005 Batman Begins.

La struttura narrativa delle due trame è sostanzialmente identica, in particolare gli elementi utilizzati nella pellicola sono il ritorno di Bruce Wayne a Gotham City, il modo in cui giunge all’idea del pipistrello come simbolo e molte scene chiave, tra cui la fuga di Batman dal palazzo grazie ai pipistrelli e la richiesta di aiuto da parte di Gordon a Batman per trovare il nuovo criminale Joker.

Vengono ripresi anche diversi personaggi cardine presenti nel Fumetto come il commissario Loeb, il detective corrotto Flass, il boss mafioso Carmine Falcone, mentre Harvey Dent e Selina compariranno rispettivamente nei sequel de Il Cavaliere Oscuro e Il Cavaliere Oscuro Il Ritorno sempre diretti da Nolan.

Infine la miniserie ha dato origine all’adattamento animato Batman: Year One, del 2011.

In Italia è stata pubblicata per la prima volta nel 1990 in albi allegati ai numeri 78 e 81 della nota rivista Corto Maltese(Rizzoli Milano Libri).

A seguire, le edizioni in volume di Play Press, Planeta, Rw Lion.

L’ultima edizione è quella attuale della Panini.

Disponibilità al momento del Post(30-03-22):

Panini

Prezzo € 17,00

Nessuno:

“Signori. Avete mangiato bene. Avete divorato le ricchezze di Gotham. La sua anima. Il banchetto è quasi finito. D’ora in poi… Nessuno di voi è al sicuro.”

Anno uno racconta il momento in cui il Batman ha indossato per la prima volta il costume.

Un Batman vulnerabile perché non ancora pronto dal punto di vista mentale e un Bruce sempre a un passo dal fallimento.

Anno uno è uno dei volumi fondamentali della mitologia batmaniana, una delle storie più citate dagli autori successivi.

La storia ha gettato le fondamenta per il rinnovamento del personaggio che dopo oltre quarant’anni di esistenza aveva decisamente ancora molto da dire.

E alla fine di questo lungo anno, con un faro puntato verso il cielo privo di stelle delle notti buie e tenebrose di Gotham ecco il miracolo di una città che ha bisogno del suo eroe.

Prossimamente, ecco tutti i volumi imprescindibili dedicati a Batman dei quali vorrei farne la recensione:

BATMAN – IL RITORNO DEL CAVALIERE OSCURO

BATMAN – KILLING JOKE

BATMAN – IL LUNGO HALLOWEEN

BATMAN – ARKHAM ASYLUM

BATMAN – UNA MORTE IN FAMIGLIA

BATMAN – COS’E’ SUCCESSO AL CAVALIERE OSCURO?

BATMAN – URLA NELLA NOTTE

Oltre ai classici elencati sopra, aggiungo

Batman: Hush (Arco narrativo pubblicato su Batman # 608-619)

e le diverse miniserie particolarmente interessanti che negli ultimi anni sono successivamente state rieditate in volumi:

BATMAN – DANNATO

BATMAN CAVALIERE BIANCO e LA MALEDIZIONE DEL CAVALIERE BIANCO

BATMAN – LA NOTTE DEL CAVALIERE OSCURO

Infine, è assolutamente da prendere l’antologia di storie brevi pubblicata nel volume BATMAN – BLACK & WHITE

Fidatevi di Nessuno

Gotcha!

Marvels è una miniserie a Fumetti di 4 numeri scritta da Kurt Busiek e disegnata da Alex Ross, pubblicazione Marvel del 1994.

Ambientato dai primi anni quaranta ai primi anni settanta, la serie esplora l’universo Marvel dalla prospettiva del protagonista che racconta la storia: il giornalista fotografo Phil Sheldon.

La serie porta in scena la vita quotidiana all’interno del mondo popolato da super esseri in costume, mostrando eventi conosciuti dai lettori insieme ad una molteplice varietà di minuti dettagli e rifacimenti delle storie più significative dell’universo Marvel.

Sin dall’uscita la serie fu subito un grande successo, vincendo molti premi e lanciando le note carriere di Busiek e Ross, i quali ritornarono al tema “vita di tutti i giorni” con la serie Astro City, Image.

Arrivò successivamente Marvels # 0 raccontato invece dalla prospettiva di Jim Hammond, descrivendo la sua creazione dovuta allo scienziato Horton.

E in seguito ulteriori miniserie di altri scrittori e disegnatori oltre al più oscuro Ruins di Warren Ellis, in cui in due numeri Sheldon visitava un universo Marvel in cui le cose andarono decisamente storte.

Marvels è tra i primi a proporre uno stile pittorico e realistico in ambito supereroistico, ma lo fa probabilmente meglio di chiunque altro al punto da far sembrare lo stile una novità.

Appartiene come filone narrativo al genere Neo-Silver teorizzato dallo storico Peter Sanderson, genere che riprende le atmosfere Silver Age, recupera uno sguardo al passato come rimedio alla cupezza dell’era oscura dei moderni Fumetti, rilancia il positivismo delle intenzioni e la classicità della messa in scena.

Il tutto però adattato al presente e contestualizzato all’oggi come narrazione, illustrazione e colorazione grafica.

Trama(Wiki)

“La storia comincia all’inizio del 1939 con la nascita della Torcia Umana originale raccontata dal suo punto di vista.

Al tempo, un giovane Phil Sheldon, ragazzo che ambisce fare carriera come fotografo per un giornale e un giovane J. Jonah Jameson sono scioccati e preoccupati da queste “Meraviglie”.

Solo quando Capitan America si svela al mondo cominciano a tranquillizzarsi.

Quando la seconda guerra mondiale inizia e in un cinegiornale si vedono Namor e la Torcia Umana unirsi a Capitan America e alle Forze Armate, Sheldon insieme alla fidanzata Doris e molti altri fanno un grosso applauso e tutte le loro paure scemano.

Ma non tutto è piacevole, con il crescente timore della consapevolezza dei mutanti, esseri umani nati con superpoteri e definiti “nuovo stadio dell’evoluzione umana”, più in particolare il gruppo di mutanti conosciuto come X-Men.

E dopo la notizia che i Vendicatori sono stati dichiarati una minaccia e la legge comincia la caccia verso Tony Stark o l’Uomo Ragno, Sheldon rimane disgustato dal fatto che le persone abbiano cambiato atteggiamento verso quelli che prima consideravano eroi.

Finalmente negli anni settanta, Sheldon pubblica il suo libro, Marvels, che diventa subito un best seller nonostante la fede di Sheldon nelle “Meraviglie” sia però irreparabilmente frantumata a causa del fallimento dell’Uomo Ragno nel salvare una vita.”

Senza aggiungere nient’altro, vi elenco le edizioni recenti dell’editore invitandovi a chiederne la effettiva reperibilità.

Disponibilità al momento del Post(18-02-22):

Panini

Prezzo € 20,00 edizione Must-Have oppure € 60,00 Cofanetto Marvels Completo € 56,00 Deluxe

Nessuno:

Attenzione, mi rivolgo ai NON lettori abituali di super-eroi.

Questo perchè chiunque legga di Marvel o Dc non può non conoscere questa miniserie.

Sarebbe effettivamente grave.

Ma a questo si può rimediare, ovviamente.

Per tutti gli altri una personale raccomandazione.

Leggete questa storia.

Non avete nemmeno una vaga idea di quanto possa essere commovente e coinvolgente questo racconto.

E ora immaginate.

Sì, chiudete i vostri occhi e immaginate.

Immaginate proprio ora di essere voi Sheldon, un fotografo, oppure una parrucchiera come pure un’estetista, un corriere, un avvocato, un meccanico, un venditore di Fumetti o chiunque voi siate.

Guardate fuori e improvvisamente vedete arrivare veramente le “Meraviglie=Marvels”.

Alzate gli occhi al cielo ed è come se realmente esistessero i super-eroi.

Siete persone normali alle prese con sensazioni mai provate.

Come reagireste?

Se davvero credete di saperlo, state mentendo.

E se non riuscite a farvi incantare dalle illustrazioni di Ross allora siete senza speranza di redenzione.

Leggete MARVELS, vivrete un’avventura meravigliosa.

Fidatevi di Nessuno

Gotcha!

LONE WOLF AND CUB è un Manga creato dallo scrittore Kazuo Koike e dal disegnatore Goseki Kojima pubblicato a puntate sulla rivista giapponese Weekly Manga Action dal 1970 al 1976, in seguito in 28 volumi.

Viene considerato all’unanimità uno dei Manga più influenti della storia, capace di generare sei film, quattro opere teatrali, due serie televisive e un videogioco.

Tra i vari adattamenti, famosissima è la prima delle due serie televisive live action.

Questa, intitolata Samurai, è stata trasmessa in Giappone nel corso di tre stagioni uscite dal 1973 al 1976 e composte da 27, 26 e 26 episodi, rispettivamente.

La serie è stata trasmessa con discreto successo anche in Italia, inizialmente Italia1 e in seguito da reti locali.

Una seconda serie televisiva è andata in onda dal 2002 al 2004.

L’opera racconta le gesta di Ogami Itto, antico kaishakunin (l’assistente al seppuku per i condannati dallo shogun) che, a causa di una falsa accusa ordita dal clan Yagyu, perde l’onore e vede la sua famiglia assassinata. L’unica strada da percorrere per il protagonista sembra essere quella del seppuku, togliersi la vita, a causa del disonore. Tuttavia, da allora vagherà in cerca di vendetta prendendo la via dell’assassinio, diventando un sicario a pagamento e portandosi sempre dietro il figlio Daigoro, ancora di pochi anni.

Shin Lone Wolf and Cub (opera – tuttora inedita in Italia – di 11 volumi) è invece il sequel di Lone Wolf and Cub, realizzato sempre da Kazuo Koike e Hideki Mori, nel quale il protagonista risulta essere il figlio di Itto, Daigoro appunto.

Ritornando al Manga originale, per l’Italia è stato pubblicato da Planet Manga Panini dal 2003 al 2008 in 28 tankobon, finalmente rieditato nel 2021/2022 in 12 volumi dal formato maggiorato di 18,5 x 25 cm, con una paginazione di circa 700 pagine cadauno suddivisi anche in 4 cofanetti.

Particolare è stata la vicenda editoriale in America:

-Lone Wolf and Cub fu inizialmente lanciato in Nordamerica nel 1987, dalla First Comics come una serie mensile di 64-128 pagine, con copertine firmate Frank Miller, e dopo realizzate da Bill Sienkiewicz e Matt Wagner. Le vendite furono inizialmente positive, però crollarono assieme alla compagnia. First Comics chiuse i battenti nel 1991, senza completare la serie, pubblicando meno di un terzo di quello che doveva esserne il totale.

-Tuttavia nel 2000, la Dark Horse Comics iniziò a lanciare nuovamente la serie, completa, in formato più piccolo; completandola con il volume 28, nel 2002. La Dark Horse riutilizzò tutte le copertine di Miller della precedente edizione della First Comics, e anche altre realizzate da Sienkiewicz, e dette il compito a Wagner e Guy Davis affinché ne realizzassero di nuove. Mike Ploog, Ray Lago e Vince Locke, contribuirono anche loro alla creazione di nuove copertine, per le traduzioni inglesi della serie.

-Nel 2002 invece una versione “reimmaginata” della saga, Lone Wolf 2100, è stata creata dallo scrittore Mike Kennedy e l’artista Francisco Ruiz Velasco, con la partecipazione indiretta di Kazuo Koike. Si tratta di una revisione post-apocalittica, con poche differenze l’originale. Per esempio, il figlioletto è femmina e gli scenari sono ambientati in tutto il mondo. La storia di Daisy Ogami, figlia di uno scienziato famoso, e Itto, la guardia del corpo di suo padre e conseguente protettore, mentre cercano di fuggire dai loschi piani della corporazione Cygnat Owari, non è stata accolta tanto bene come invece il racconto originale.

Disponibilità al momento del Post(26-01-22):

Panini

Prezzo € 22,00 Cad. x 12 Volumi / € 66,00 Cad. x 4 Cofanetti

Nessuno:

“Chi si comporta da amico quando tutto va bene, ma poi volta le spalle come un estraneo in caso di malattia o di sventura è solo un vigliacco.”

Rispetto alle mie precedenti recensioni e come per Maus, quest’opera a Fumetti, purtroppo, non è per tutti.

Vuoi per l’ambientazione, il genere narrativo o la storicità.

Eppure è un’opera entusiasmante del genere Jidai-geki, “dramma storico”.

Costruito a singoli episodi l’uno indipendente dall’altro sul piano narrativo, legati però dall’incedere comune, sempre più incalzante verso il finale, il Manga rievoca mirabilmente il Giappone dei Tokugawa.

Raccontando i suoi valori per noi a tratti quasi incomprensibili così le contraddizioni di un paese tra ricchi signori e poveracci.

Nonostante uno svolgimento iniziale all’apparenza lento, con la storia di vendetta del protagonista viene catturata irrimediabilmente l’attenzione del lettore entusiasmandolo capitolo dopo capitolo.

Senza parlare dell’importanza e della bellezza della figura e del rapporto con il figlio Daigoro.

E per quanto riguarda un’altra mia passione, l’epoca, la storia e l’ambientazione sono affascinanti:

– nella cultura giapponese spiritualità e azione sono connessi intimamente così nell’Hagakure, la via del guerriero, di Yamemoto Tsunetomo, nel quale sono illustrate le caratteristiche sia morali sia pratiche della vita del samurai.

– il comportamento del protagonista è nel bushido, appunto la via del guerriero onorevole e rispettoso con un’attenzione particolare verso il codice di comportamento impartitogli dal proprio maestro.

– nello stesso tempo attraversa il Meifumado, il cupo sentiero che porta all’inferno buddista, cammino obbligato per colui che ha deciso di intraprendere una strada così difficile, quella dell’assassino rinnegato.

Infine, il disegno.

Sporco, violento e dinamico, il tratto di Kojima è perfetto nell’assecondare la narrazione di Koike, caratterizzata da una approfondita ricerca storica che rievoca tradizioni, avvenimenti, riti unici del periodo feudale giapponese.

Così i protagonisti ed i comprimari di ogni singolo capitolo, tratteggiati e resi con superba maestria perfettamente riconoscibili.

Oggi è disponibile un’edizione meravigliosa Panini, costosa, vero, ma assolutamente in linea con l’opera degli Autori, quindi approfittatene ora prima che possa nuovamente scomparire dagli scaffali in attesa di una nuova quanto improbabile ristampa.

Fidatevi di Nessuno

Gotcha!

Il Corvo/The Crow è un Fumetto di James O’Barr, pubblicato tra il 1988 e 1989.
L’autore iniziò a pensare al Fumetto dopo aver perso la fidanzata per un incidente, investita da un pirata della strada.
Nasce così l’opera traendo una prima ispirazione dalla sua tragedia personale, una seconda invece dalla storia di una coppia di fidanzati uccisi per un anello da $ 20 nella città di Detroit, notizia letta su un giornale in quel periodo.

Trama

L’opera narra la triste storia di Eric, picchiato e ucciso insieme alla sua ragazza Shelly da una banda di feroci malviventi.
Eric torna dal mondo dei morti per vendicare la fidanzata.
Al suo fianco, un misterioso corvo sovrannaturale, che lo accompagnerà in tutto il suo viaggio tra dolore e violenza, in una città maledetta e senza possibilità di redenzione.

L’aspetto del personaggio è molto oscuro, la sua dialettica e il modo di relazionarsi con gli altri è ispirata palesemente alle poesie di William Blake e di Charles Baudelaire.
O’Barr si rifà notevolmente alla cultura underground dei famigerati anni 80, influenzato dalla musica e dai gruppi rock dell’epoca (The Cure, Rage Against The Machine, Joy Division).
Il volto truccato del personaggio si ispira chiaramente alla maschera del teatro inglese drammatico a rappresentare l’Ironia.
A detta dell’autore questa maschera è perfetta, poiché incarna i due lati della personalità del personaggio, ovvero il dolore e la disperazione, l’amore, quello vero, puro e sconfinato e lo stato di decadenza e di nichilismo.
E’ il cantante dei Bauhaus Peter Murphy la base per O’Barr nell’ideare le fattezze di Eric.

Pubblicato sul finire degli Ottanta, Il corvo ha saputo mescolare l’estetica dark con l’archetipo della vendetta e il dolore implacabile del lutto.
Rivisto, restaurato e ampliato dallo stesso James O’Barr in persona, con materiale inedito mai visto prima, Il corvo ritorna successivamente disponibile nella sua edizione definitiva.
La pubblicazione di una nuova edizione aggiornata venne inizialmente annunciata nel 2004, più volte posticipata e pubblicata infine nel luglio 2011.

“Quando iniziai il corvo nel 1981, erano passati solo pochi anni dalla morte di ‘Schelly’.
C’erano questi momenti speciali che condividevamo, momenti intensamente personali che custodisco stretti nel cuore, come se fossero doni fragili solo per me.
Avevo paura di sminuirli, o peggio sprecarli, se li avessi raccontati nel libro, nonostante il libro fosse autobiografico e personale, e dunque mi trattenni.
Non provo gli stessi sentimenti ora.
La nuova scena (“Una favola di agosto”) è uno di quei momenti speciali.”

Trasformato in un film di enorme successo nel 1994, Il corvo è diventato un’icona senza tempo che ancora oggi non smette di emozionare nuovi lettori.
La tragica storia di Eric Draven è diventata infatti un film ben più famoso del fumetto, Il corvo – The Crow (1994),
grazie anche alla singolare morte dell’attore protagonista, Brandon Lee, avvenuta il terzultimo giorno delle riprese del film (31 marzo 1993),
a causa di un colpo di pistola caricata a salve, in cui però era precedentemente rimasta bloccata una pallottola all’interno della canna, per la tragica disattenzione dello staff.
L’attore rimase inizialmente ferito e successivamente morì in ospedale durante l’intervento chirurgico.
A otto giorni dalla fine della produzione, le scene incomplete che dovevano essere interpretate dall’attore vennero gestite riscrivendo la sceneggiatura e terminate grazie ad una controfigura ed effetti digitali.
Il film è dedicato a Lee e alla sua fidanzata, Eliza.
Dopo il grave incidente la produzione cinematografica statunitense deliberò e stabilì che nelle sparatorie le armi non venissero più puntate direttamente verso gli individui, ma piuttosto con un’angolazione di 30°.
Il film ha avuto diversi sequel di limitato successo: Il corvo 2 (1996), Il corvo 3 – Salvation (2000) e Il corvo – Preghiera maledetta (2005).

“Non può piovere per sempre…”

Per quanto riguarda il Fumetto, è stato adattato in una serie televisiva intitolata The Crow: Stairway to Heaven.
Dal Corvo 2 – La città degli angeli (Sequel del film del 1994), è stato realizzato un Fumetto intitolato The Crow: City of Angels.
A questo fumetto ne sono seguiti molti altri, nel corso degli anni, oltre anche ad alcuni romanzi
(due romanzi sono novelization del primo e del secondo Film, mentre un altro – The Lazarus Heart – è stato fonte di ispirazione per il terzo Film).
Di questi alcuni hanno ripreso la storia di Eric, rileggendola secondo ottiche diverse, altri si sono concentrati su personaggi sempre diversi, ma uniti da un destino simile
(essere uccisi assieme alla persona amata ed essere resuscitati dal corvo per vendicarsi).
Il franchise è attivo tutt’oggi e ha visto partecipare molti celebri autori di Fumetti tra i quali Todd McFarlane.
Da ricordare ad esempio Il corvo: Memento mori, uno spin-off de Il corvo, realizzato da autori italiani, tra i quali Roberto Recchioni, Werther Dell’Edera, Giovanna Niro, Davide Furnò, Ponticelli e Scalera.
La miniserie esce nel 2018 in collaborazione con Bd e IDW Publishing.
E’ interamente ambientata in Italia a Roma.
Pubblicata originariamente nel classico formato spillato tipico dei comics, esce in seguito in edizione Omnibus.

Disponibilità al momento del Post(09-12-21):
Bd
Prezzo € 16,90

Nessuno:

La maggior parte di voi quasi sicuramente ha conosciuto il Corvo attraverso l’adattamento cinematografico, il Film The Crow con Lee del ’94.
“Un tempo la gente era convinta che quando qualcuno moriva, un corvo portava la sua anima nella terra dei morti. A volte però accadevano cose talmente terribili, tristi e dolorose che l’anima non poteva riposare. Così a volte, ma solo a volte, il corvo riportava indietro l’anima. Perché rimettesse le cose a posto.”
Bello, mi è sempre piaciuto molto, grande interpretazione, ambientazione, sceneggiatura, fotografia, colonna sonora, dialoghi/citazioni…
Tuttavia il Fumetto è un vero e proprio manifesto culturale anni ‘80/’90, un percorso tra follia, amore, desiderio e morte e davvero molto di più.
E’ un Fumetto dalla potenza espressiva immensa.
Una lettura straziante e piena d’angoscia, dolore e disperazione che fa male.
Quanto l’idea stessa di perdere la persona amata sia qualcosa di insopportabile è portata nel Fumetto alle estreme, terribili conseguenze.
Ne scaturisce una rabbia feroce che non lascia indifferenti perchè il dolore e la disperazione ci allontanano da tutto quello che rende umani, trasformando noi stessi in spaventosi mostri.
Rimarrete senza fiato: “Non è morte se la rifiuti, lo è se l’accetti.”
Fidatevi di Nessuno
Gotcha!

20th Century Boys è un Manga di Naoki ‘MONSTER’ Urasawa pubblicato sulla rivista Big Comic Spirits della casa editrice Shogakukan a partire dal 1999 e concluso nel 2006 con 249 capitoli raccolti in 22 tankobon.
Da gennaio a luglio 2007 è stata pubblicata su Big Comic Spirits un sequel intitolato 21st Century Boys composto di soli 16 capitoli raccolti successivamente in due volumi.
Uno spin-off è stato pubblicato su Big Comic Spirits nel febbraio del 2009 dove l’autore creditato è Ujiko-Ujio, il duo di Mangaka fittizio presente in 20th Century Boys.

La serie è stata adattata in una trilogia live-action, con regia di Yukihiko Tsutsumi, proiettata nelle sale cinematografiche giapponesi tra il 2008 e 2009.

E’ un Manga di ampio respiro caratterizzato da un’atmosfera cupa, mescola elementi di teoria della cospirazione, fantascienza, insieme a valori sacri come l’amicizia, lealtà e solidarietà, sacrificio. Numerosi i riferimenti alla cultura popolare giapponese e internazionale, americana soprattutto, in particolare al mondo dei Fumetti e della musica rock. La trama include, altresì, richiami al problema delle sette che tanto affligge la società giapponese.

La narrazione è non-sequenziale e contiene parecchi flashback, coprendo eventi che vanno dal 1969, i protagonisti erano dei ragazzini che sognavano di “salvare il mondo”, al 1997, al 2001, per giungere al 2014, quando la pace mondiale sembra nuovamente in pericolo e ancora oltre, all'”Era dell’Amico”, dal 2016 in avanti.

Il fumetto ha ricevuto un’ottima accoglienza da parte della critica e ha vinto importanti riconoscimenti come il Premio Kodansha per i Manga nel 2001, il Premio Shogakukan per i Manga nel 2003 ed il Premio Seiun nel 2008 e la sua traduzione in inglese ha ottenuto un Eisner Award come miglior fumetto asiatico pubblicato negli Stati Uniti nel 2011 e nel 2013. Durante l’assegnazione del Grand Prize del 37º Japan Cartoonist Award, nel 2008, è stato definito un «capolavoro che è riuscito a stabilire un nuovo livello di qualità per i Manga successivi alla seconda guerra mondiale». Il Manga ha vinto il premio Kodansha per i Manga nel 2001 nella categoria generale, lo Shogakukan Manga Award nel 2003, ed il premio al miglior fumetto al Festival international de la bande dessinée d’Angoulême nel 2004 ed il Grand Prize del 37º Japan Cartoonist Award del 2008. Nello stesso anno ha vinto anche il premio al miglior Manga durante la 46ª “Convention Giapponese della Fantascienza”. All’estero, il Manga è stato premiato nel 2011 al Comic-con di San Diego con l’Eisner Award per il miglior edizione americana di un fumetto asiatico. Il Manga è stato premiato nel 2012 con l’Eagle Award come miglior Manga. Nello stesso anno ottiene una nomination per l’Eisner Award nella categoria per la miglior serie in corso mentre l’anno successivo vincerà lo stesso premio nella categoria miglior fumetto asiatico, replicando il successo ottenuto nel 2011, ed ottenendo una nomination all’Harvey Awards nel 2010 e nel 2013.

Trama…

Nel 1969 un gruppo di bambini composto da Kenji, Occio, Yoshitsune, Maruo, Yukiji e Donkey costruiscono un nascondiglio in un campo da utilizzare come base segreta e dove nascondersi per scambiarsi Manga ed ascoltare la radio. Per celebrare l’evento Occio disegna un simbolo che rappresenti la loro amicizia, composto da un occhio ed una mano che indica. Iniziano anche a fantasticare su uno scenario apocalittico, in cui dei cattivi tentano di distruggere il mondo mentre loro tentano di fermarli, trascrivendolo in un libro che chiamano Libro delle profezie. Trent’anni dopo, negli anni novanta, Kenji gestisce un minimarket insieme alla madre, prendendosi cura della figlia della sorella scomparsa. Dopo aver ricevuto la notizia che Donkey si è suicidato, Kenji viene a conoscenza di una setta comandata da una persona mascherata che si fa chiamare “L’Amico”, che utilizza lo stesso simbolo che i bambini crearono trent’anni prima e compiendo eventi simili a quelli descritti nel Libro delle Profezie, raduna così i vecchi compagni per capire chi si nasconde dietro la maschera de “L’Amico” e per tentare di fermarlo prima che distrugga il genere umano.

Disponibilità al momento del Post(22-10-21):
Panini
Prezzo € 14,90 Cad. x 11 Volumi

Nessuno:

“La giustizia non muore mai!”

Vi dirò subito questo: quando lessi per la prima volta 20Th, cominciai a distinguere i lettori di Fumetti in due categorie, quelli che avevano letto 20Th e quelli che non avevano letto 20Th.
Prima, mai avrei fatto un tale distinguo, e questo per nessun Fumetto
Ora, a pochi giorni dall’uscita del # 1 della riedizione in 11 numeri del Capolavoro di Urasawa grazie a Planet Manga Panini, riedizione che ricomprerò e rileggerò… ricomincerò a fare lo stesso medesimo distinguo!

20Th è un Fumetto, il termine Manga è riduttivo, anzi, probabilmente uno dei migliori Fumetti che siano mai stati scritti e tantomeno concepiti.
E adesso parliamone.
20Th è una Storia affascinante, coinvolgente, adrenalinica… talmente ricca di sfaccettature da non poter essere identificata con un singolo genere narrativo.
E’ una storia di avventura, fantascienza, spionaggio/complottista, c’è pure la storia d’amore, il dramma…
Insomma, è una storia per tutti e come dico sempre: se NON vi piace 20Th è un problema… vostro!

Una delle caratteristiche che più mi hanno colpito dell’Opera, è la conoscenza approfondita delle ambientazioni e delle epoche storiche in cui è ambientato, dal Giappone, ovviamente, alla Germania o all’America.
Segnale di una grande conoscenza e/o cultura dell’Autore, osannato e conosciuto in tutto il mondo ormai.
Leggendario è l’aneddoto sulla genesi di Pluto (lungo da raccontare), un altro dei suoi capolavori insieme a Monster, Billy Bat, Asadora, l’ultima sua creazione tuttora in corso di pubblicazione.

I disegni sono particolareggiati, possono certo piacere o meno ovviamente, è soggettivo, ma è indubbia la straordinaria capacità dell’Autore di tratteggiare i volti soprattutto, questo al contrario di molti Mangaka, volti capaci di esprimere le sensazioni come i pensieri del protagonista senza bisogno dell’uso dei balloon, molto europeo da questo punto di vista.
La vera forza di 20Th resta però il soggetto della vicenda, una storia talmente geniale da non crederci, costruita ed intricata a regola d’arte, senza incongruenze, passaggi a vuoto o buchi narrativi.
E questo nonostante gli sbalzi d’ambientazione e temporali che la contraddistinguono fino all’incredibile finale, con l’epilogo 21St Century Boys.
Per non parlare del numero e della varietà dei personaggi coinvolti, ognuno difficile da dimenticare, per come vengono definiti e resi incredibilmente veri grazie ad una capacità descrittiva unica.
Difficile non affezionarsi a Kenji, ovviamente, Occio, Maruo, Yoshitsune, così Kana e Yukiji su tutti.

L’uscita ufficiale è prevista a inizio novembre.
Invito tutti quanti a ordinare la propria copia per evitare di non rischiare sia ritardi che l’esaurimento della tiratura.
E anche solo per evitare di ‘rompere i rapporti’ (spoiler).

Ps: in negozio, per coloro che fossero seriamente interessati, ho a disposizione la spettacolare trilogia cinematografica Live che adatta il Manga, un blockbuster asiatico in tre parti girato negli anni 2008-2009, assolutamente da vedere credetemi!!!

Fidatevi di Nessuno

Gotcha!

Watchmen è una miniserie a Fumetti scritta dall’autore britannico Alan ‘V PER VENDETTA’ Moore e illustrata dal suo connazionale Dave Gibbons.
È stata pubblicata originariamente in dodici albi mensili dalla statunitense DC Comics dal 1986 al 1987 e raccolta in volume unico già nel 1987.
La prima edizione italiana venne pubblicata come inserto della rivista Corto Maltese(Rizzoli) tra 1988 e 1990, nel 1993 seguì l’edizione in brossurato.

Dopo un numero di tentativi infruttuosi di trasporre il Fumetto in Film cinematografico, nel 2009 uscì il Watchmen di Zack Snyder, il quale purtroppo ottenne la collaborazione del solo Gibbons visto il perentorio rifiuto a qualsiasi adattamento da parte di Moore.
La particolarità innovativa che differenzia Watchmen dai Fumetti di genere che lo hanno preceduto è quella di presentare i supereroi nel loro aspetto umano e quotidiano — con i loro problemi etici e personali — piuttosto che in quello straordinario e avventuroso, “decostruendo” l’archetipo del supereroe convenzionale.
Il successo di critica e pubblico di cui godette contribuì a diffondere il genere del romanzo a Fumetti e ad aumentare la considerazione del loro valore come forma d’arte.
L’opera è considerata un titolo di riferimento del Fumetto nordamericano per aver introdotto approcci e linguaggi nuovi, oltre a temi più maturi rispetto alla maggior parte delle storie tradizionali pubblicate fino ad allora.
Tra i numerosi riconoscimenti ottenuti, Watchmen è a oggi l’unico Fumetto ad aver vinto un premio Hugo e a essere inserito nella lista di Time dei cento migliori romanzi in lingua inglese dal 1923 a oggi.

L’opera è ambientata in un 1985 in cui Stati Uniti e Unione Sovietica sono in piena guerra fredda e sull’orlo di una guerra nucleare.
Un mondo in cui i supereroi sono realtà e hanno operato a servizio della legge come avventurieri in costume, prima di essere dichiarati fuorilegge da un decreto amministrativo che prendeva atto del crescente malcontento popolare nei loro confronti.
La storia ha inizio col ritrovamento del cadavere di un ex vigilante che mette in moto le indagini dell’ultimo avventuriero in costume rimasto in azione, il quale ipotizza l’esistenza di un complotto mirato a eliminare i vecchi supereroi ormai ritiratisi.

Parlare di Watchmen è estremamente difficile e complicato, tanto l’opera è ricca di numerose chiavi di lettura e spunti narrativi.
Ad esempio le copertine dei singoli volumi raffigurano un primo piano di un singolo dettaglio senza elementi umani presenti e costituiscono al tempo stesso la prima tavola della storia e l’ultima, così che quello che sembra «reale nel mondo reale muti un istante dopo in fumetto, un portale per un’altra dimensione».
Nelle edizioni uniche queste immagini costituiscono la prima e l’ultima vignetta di ciascun capitolo.
La funzione del titolo e dell’intestazione degli episodi è invece svolta da una versione breve di un’epigrafe tratta dalla letteratura classica o da quella pop, citazione che viene poi presentata in forma completa alla fine del capitolo stesso così da riassumere gli eventi in esso narrati e per far risaltare ancor di più la citazione, Moore scriveva la sceneggiatura dell’episodio solo dopo aver deciso quale frase utilizzare, così da inserire nel testo dei rimandi a essa.
Ogni tavola è strutturata in una rigida griglia di tre per tre vignette spesso unite e allargate — anche fino a riempire l’intera pagina — a volte ristrette, ma sempre rettangolari, con le illustrazioni che non escono mai fuori dai margini.
L’opera presenta una gran varietà di collegamenti interni, dettagli di fondo e livelli di lettura, con la presenza di «singole immagini che legano insieme l’intero Fumetto».
Uno smiley macchiato di sangue è l’immagine più ricorrente.
Sono molti i riferimenti agli orologi e al tempo in generale, che simboleggiano l’inesorabile avanzata dell’umanità verso la inevitabile distruzione.
Anche la vicenda del nodo gordiano è citata spesso.

Watchmen include una storia nella storia intitolata I Racconti del Vascello Nero (Tales of the Black Freighter), un Fumetto fittizio letto da un giovane di New York, le cui pagine compaiono nei numeri tre, cinque, dieci e undici della serie.
In esso sono narrati i disperati tentativi di un naufrago di ritornare alla propria casa per avvertire i suoi cari dell’imminente arrivo del Vascello Nero, una nave fantasma pirata la cui ciurma è composta da morti sanguinari.
Quando il naufrago, dopo essere stato costretto dall’impellenza della sua missione a costruire una zattera legando insieme dei tronchi e i cadaveri dei suoi ex compagni di viaggio e a fronteggiare un attacco di un branco di squali, giunge infine al suo villaggio, è convinto di trovare la città già in mano a questi.
Uccide quindi una coppietta e la propria moglie, scambiandoli, al buio, per dei pirati.
Dopo essersi reso conto di quello che la paranoia lo ha portato a fare, ritorna alla spiaggia dove scopre che il Vascello Nero non è venuto a saccheggiare la città ma a prendere lui.
Questo racconto vuole fungere da commento e da metafora della trama principale stessa.
L’inesorabile avvicinarsi della nave nera, dispensatrice di morte, simboleggia inoltre la guerra atomica che incombe sul mondo di Watchmen; è interpretabile come un’allegoria di «Rorschach e della sua cattura.

La premessa iniziale della serie era esaminare come si sarebbero inseriti i supereroi in un “mondo credibile e realistico” e, con l’aumentare della complessità della storia, il tema si spostò sull’«idea di potere e sulla manifestazione del superumano nel mondo reale».
Il titolo è un riferimento alla massima latina di Giovenale «Quis custodiet ipsos custodes?» che in inglese si traduce in Who watches the watchmen? ovvero “Chi controlla i sorveglianti?”.
La serie esplora infatti la percezione della figura dell’autorità da parte dell’opinione pubblica: prima del decreto Keene, quando l’autorità degli avventurieri in costume è istituzionale, essi sono generalmente apprezzati e sostenuti, dopo divengono invece oggetto di aspre battaglie mediatiche, non appena vengono sollevate vaghe questioni di responsabilità e colpevolezza.
Moore non era a conoscenza dell’origine della frase fino a quando Harlan Jay Ellison non lo informò della satira latina, che trovò perfetta «per il contesto di Watchmen».
I vigilanti in costume costituiscono infatti un ammonimento dell’autore nell’affidarsi acriticamente alle scelte che altri compiono per noi, un «deporre le responsabilità per le proprie vite e per il futuro» affidandole a individui che dovrebbero “proteggerci” ma che potrebbero distruggerci al contempo.

Watchmen venne pubblicato per la prima volta in italiano tra il 1988 e il 1990, con una traduzione curata da Stefano Negrini.
In questa edizione furono tuttavia eliminati i testi complementari.
Nel corso degli anni l’opera è stata edita in altre versioni anche da Play Press, Planeta De Agostini e RW Edizioni, fino all’edizione più recente, targata Panini Comics.

L’opera fu acclamata dal pubblico e dalla critica e venne adottato come materiale di studio in alcuni corsi universitari.
A causa della sua maturità, Watchmen fu etichettato come romanzo a Fumetti e contribuì insieme a
Il ritorno del Cavaliere Oscuro di Frank Miller (1986) e a Maus di Art Spiegelman (1987) a diffondere la denominazione di Graphic novel come opera artisticamente e tematicamente assimilabile alla letteratura e quindi superiore al resto delle pubblicazioni, considerate all’epoca poco più di un genere di consumo.
Watchmen ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti nel panorama del Fumetto.
Nel 1987 è risultato vincitore di tre Kirby Awards nelle categorie miglior nuova serie, miglior scrittore e miglior scrittore/disegnatore. Nel 1988 hanno fatto seguito sette Harvey Awards per miglior scrittore, miglior artista o disegnatore, miglior serie in corso o limitata, miglior album grafico, miglior colorista, miglior numero singolo (#9) e il premio speciale per l’eccellenza nella produzione. Questo oltre a quattro Eisner Award per miglior scrittore, miglior scrittore/disegnatore, miglior miniserie e miglior album grafico. La ristampa Absolute fu insignita nel 2006 di un Eisner Award nella categoria miglior raccolta formato comic book. Watchmen fu inoltre il primo e unico romanzo a Fumetti che ha ricevuto un premio Hugo nella categoria altre forme, nel 1988, prima dell’introduzione di una categoria specifica dedicata alle storie grafiche nel 2009.
Col tempo, Watchmen acquisì progressivamente un rango di classico ed è spesso citata come una delle migliori, se non la migliore, serie a Fumetti di tutti i tempi.

Watchmen… Stan ‘L’uomo’ Lee lo ha definito «Il mio fumetto preferito fuori dalla Marvel.»

Disponibilità al momento del Post(25-09-21):
Panini
Prezzo € 37,00

Nessuno:

Scrivere/parlare di Watchmen è complicato.
Troppe sono le argomentazioni come avete già letto più sopra nella lunga descrizione della foto.
Perciò, mi limito a dirVi comprate Watchmen e rendete straordinaria la vostra biblioteca.
Ma…
Se mi consentite, nel tempo il Capolavoro è stato arricchito da nuove interessanti realtà.
Dapprima ecco Before WATCHMEN (8 miniserie e un one-shot: un totale di 37 capitoli), seguito nel triennio 2017/2019 da DOOMSDAY Clock € 40,00 (Sequel) con il preludio BATMAN/FLASH: La SPILLA € 16,00 e ora da Rorschach, in corso di pubblicazione.
Tutte da leggere, con particolare riguardo al sorprendente Sequel di Geoff ‘Lanterna’ Johns e Gary ‘Hulk’ Frank.
Fidatevi di Nessuno
Gotcha!

Akira è un Manga cyberpunk, realizzato dal maestro Katsuhiro Ōtomo e serializzato in Giappone dal 6 dicembre 1982 all’11 giugno 1990 sulla rivista della Kōdansha Young Magazine e successivamente raccolto in sei volumi/Tankōbon.

Trama

Ambientato in una Neo-Tokyo post apocalittica, Akira ruota attorno al tentativo di Kaneda, il leader di una banda adolescenziale di motocilisti, dell’attivista politica Kei, di un trio di esper e del colonnello Shikishima di impedire a Tetsuo, un amico d’infanzia di Kaneda che sviluppa poteri ESP che lo rendono mentalmente instabile, di sconquassare la città e di risvegliare un misterioso individuo dotato degli stessi poteri e chiamato Akira.

Akira fu senza dubbio alcuno uno dei primi Manga a essere esportato con successo in Occidente e, pur senza raggiungere il successo commerciale di altri Fumetti come Dragon Ball o Sailor Moon ad esempio, è considerata l’opera che ha fatto da apripista alla diffusione del fumetto giapponese nel mondo.

Nel 1988 Ōtomo ne ha tratto un film omonimo, acconsentendo l’adattamento Anime solo a patto che gli venisse concesso il pieno controllo creativo. Il film venne distribuito in vari Paesi occidentali tra il 1989 e il 1992. Sebbene l’ambientazione, la trama di base e i personaggi siano ripresi fedelmente dal Manga, il film si discosta poi considerevolmente dalla sua controparte cartacea, tagliando per problemi di spazio ed esigenze narrative sia personaggi che buona parte della seconda metà del manga.

Akira venne esportato per primo negli Stati Uniti da Epic Comics, etichetta di Marvel Comics, dove fu pubblicato dal 1988 al 1995 in un’edizione in 38 volumi. Per avvicinare l’opera ai gusti di un pubblico occidentale, Epic Comics ribaltò l’ordine di lettura originale in modo che fosse da sinistra a destra, modificando di conseguenza l’ordine di alcune vignette e il posizionamento dei balloon. E inoltre commissionò a Steve Oliff la colorazione integrale delle tavole. Fu lasciata libertà di scelta sul modo di colorare da parte di Ōtomo e del suo editore, quindi Oliff utilizzò per la prima volta una colorazione al computer per un fumetto, sfruttando una tecnologia all’epoca innovativa e oltre le possibilità giapponesi, che risultò più discreta delle colorazioni che si erano viste fino ad allora. Il lavoro di Oliff giocò un ruolo determinante nel successo di Akira in Occidente e rivoluzionò il processo di colorazione dei fumetti.

La prima edizione italiana risale al 1990, composta da 38 volumi a cura della Glénat Italia che tuttavia fallì prima della conclusione della serie; gli ultimi due episodi, infatti, vennero pubblicati a due anni e mezzo di distanza dalla Planet Manga, etichetta della Panini Comics. Questa prima edizione riproponeva la colorazione eseguita da Oliff per l’edizione statunitense. Nel novembre 1998 la Planet Manga curò una nuova edizione in bianco e nero composta da 13 volumi conclusasi nel novembre 2000. Sempre la Planet Manga realizzò una terza edizione con la stessa divisione in sei volumi dell’edizione giapponese. Questa versione, intitolata Akira Collection e anch’essa in bianco e nero, fu edita con cadenza mensile dal settembre 2005 al febbraio 2006. Tutte e tre le prime edizioni italiane non conservano l’ordine di lettura giapponese. Da marzo 2021 Planet Manga ha reso disponibile una nuova edizione sempre in sei volumi, in cui è stato ripristinato il senso di lettura alla giapponese con, inoltre, una nuova traduzione e nuovi effetti di spugnatura.

Disponibilità al momento del Post(10-09-21):
Panini
Prezzo € 22,00 Cad. x 6 Volumi

Nessuno:

Quando conobbi Akira, ero un giovane Biker senza futuro che vagava nelle strade polverose e pericolose del Bronx piacentino.
E credeva ancora nel futuro.
Prima di crescere, perdere la speranza e diventare la mente eletta e cinica di oggi.

I disegni pazzeschi, i palazzi e le affascinanti e insieme terribili lande desolate, le esplosioni, sì, le esplosioni… quanto Bastard e Berserk (per citarne alcuni) siano debitori di Akira non è dato sapere.

Una società al collasso, dove non esistono regole e la violenza dilaga.
Un mondo in decadenza tra paesaggi desolati e motociclette iper tecnologiche che ne esaltano l’inadeguatezza.
Una banda di adolescenti senza futuro e due ragazzi cresciuti seguendo gli insegnamenti della strada finendo per intraprendere scelte diverse.

Tetsuo e Kaneda hanno sofferto, provato dolore, smarrito i grandi ideali.
Il primo decide di essere un demone, il secondo non abbandona la speranza.
Non bisogna avere superpoteri per essere eroi e non servono eroi per salvare il mondo.
Serve affrontare la paura e usarla per spingerci a trovare la ragione per essere migliori.
Così le scelte ed i ragazzi si devono scontrare.

L’edizione indubbiamente migliore del capolavoro di Otomo proposta attualmente in Italia dalla Panini è disponibile adesso, non osate assolutamente perderla, perché nessuno è in grado di sapere quanto può restare disponibile/ordinabile quest’edizione: ascoltatemi e assicuratevi ora un posto nella vostra biblioteca per quest’opera immortale.
Fidatevi di Nessuno
Gotcha!

Maus (Maus: A Survivor’s Tale) è un ROMANZO A FUMETTI di Art Spiegelman capace di vincere lo speciale Award del Premio Pulitzer, ambientato durante la seconda guerra mondiale e incentrato sull’Olocausto, creato sulla base dei racconti del padre dell’autore, un sopravvissuto ai campi di concentramento di Majdanek e Auschwitz.

L’opera è suddivisa in due parti:
Mio padre sanguina storia – composta da 6 capitoli pubblicati per la prima volta nel 1986 (in Italia nel marzo 1989 da Milano Libri), mostra il rapido inasprimento delle condizioni di vita degli ebrei polacchi negli anni immediatamente precedenti lo scoppio della guerra
E qui sono cominciati i miei guai – composta da 5 capitoli pubblicati per la prima volta nel 1991 (in Italia nel settembre 1992 sempre da Milano Libri), dà invece un chiaro spaccato della vita dei deportati all’interno del campo di concentramento negli anni della guerra

A spezzare la narrazione delle vicende d’epoca nazista, si interpongono istantanee di vita quotidiana che mostrano il difficile rapporto tra Spiegelman e il padre: il padre reduce dagli orrori del nazismo, ha uno stile di vita impossibile che impone anche a chi gli sta intorno (raccoglie e conserva anche il filo di rame che trova per strada); il figlio all’apparenza indifferente (la cui vita insieme alla fidanzata Françoise fa da cornice alle vere vicende centrali dell’opera), è tormentato da un enorme senso di inadeguatezza di fronte a ciò che ha vissuto il genitore.

Tutto questo si trasforma, nel finale, in una sorta di autoanalisi dell’autore, che capisce appieno il significato di essere figlio di un deportato, mostrando come gli orrori patiti dai genitori si siano estesi anche alla generazione successiva.

I personaggi dell’opera sono rappresentati non in forma umana, bensì in quella animale, che caratterizza la loro posizione sociale, secondo una serie di metafore; per esempio, i protagonisti, gli ebrei perseguitati, sono rappresentati da dei topi (Maus in lingua tedesca significa proprio “topo”), e sono contrapposti ai nazisti dipinti come gatti; i francesi diventano rane, i polacchi maiali, gli americani cani…

Disponibilità al momento del Post(26-08-21):
Einaudi
Prezzo € 26,00

Nessuno:

A settembre, finalmente ritorna disponibile e lo fa in un’edizione degna uno dei capisaldi del Fumetto mondiale.
Tuttavia, al contrario delle altre opere di cui ho parlato e parlerò, Maus, in effetti, non è per tutti.
Per l’argomento trattato (e qui aggiungo un purtroppo) e per il livello di narrazione, altissimo.
Se però quello che volete è arricchire in modo importante la vostra biblioteca personale, ebbene Maus non potrà che soddisfare decisamente le vostre esigenze.
Davvero sono estremamente rare le storie che possono in qualche modo rivaleggiare in termini culturali e di impegno nella lettura con quest’ultima.
Insieme a L’Eternauta, Maus è imprescindibile quanto allo stesso tempo impegnativo.
Come ho detto, non è per tutti.
Fidatevi di Nessuno
Gotcha!

L’Eternauta (El Eternauta) è un fumetto di fantascienza scritto da Héctor Oesterheld e disegnato da Francisco Solano López, pubblicato dal 1957 sulla rivista Hora Cero, in Argentina, dove raggiunse una notevole fortuna, venendo ristampato più volte. Un successo estesosi anche nel resto del mondo tanto da fargli raggiungere una fama tale da venire considerato un capolavoro del fumetto mondiale. La saga fu riscritta da Oesterheld nel 1969, rendendo più espliciti i riferimenti alla situazione geopolitica del sudamerica del periodo e fu ridisegnata da Alberto Breccia in una personalissima e innovativa versione che viene essa stessa considerata un capolavoro dalla critica. La trama è spesso considerata una sorta di anticipazione del golpe argentino del 1976 di Jorge Videla, del quale rimarrà vittima lo stesso Oesterheld, purtroppo desaparecido nel 1977.

Questa la trama/spoiler: una notte di un giorno imprecisato della seconda metà del XX secolo un uomo si materializza improvvisamente a casa di uno scrittore di fumetti di Buenos Aires. Si chiama Khruner, ossia “il vagabondo dell’infinito” e spiega di essere “l’eternauta”, un pellegrino dei secoli che vaga alla ricerca della sua epoca e del suo mondo. Khruner inizia quindi a raccontare allo scrittore la propria storia. A seguito di una “nevicata” di origine aliena viene decimata la popolazione di Buenos Aires. I sopravvissuti si organizzano con tute e respiratori per sopravvivere. I militari organizzano la difesa contro gli invasori alieni raggruppando i sopravvissuti nello stadio monumentale della città. Dopo vari attacchi da parte di insetti-robot telecomandati e di un’astronave aliena, prende avvio una guerra di logoramento psicologico dove gli assediati nello stadio incominciano ad avere allucinazioni provocate da una nuvola bianca artificiale.
Khruner e altri escono in esplorazione e si imbattono in alcuni uomini ai quali gli alieni hanno applicato degli apparecchi per ridurli all’obbedienza. Così si ritrovano faccia a faccia con uno degli invasori, noti come kol, che riescono a prendere come prigioniero. Questi rivela che i kol non sono i veri invasori: per sottometterli ai propri voleri, i veri invasori hanno innestato ai kol una ghiandola che li fa morire nel momento in cui provano paura. I veri invasori hanno sottomesso anche i gurbos, mostruose creature che fanno parte anch’esse dell’avanguardia dell’invasione aliena. Khruner torna allo stadio per riferire quanto ha scoperto. I militari decidono di attaccare gli invasori ma vengono decimati dagli uomini-robot e dai gurbos. Khruner con altri arrivano nel quartier generale dell’invasione aliena dove neutralizzano il congegno che comanda a distanza gli attacchi e dopo riescono a lanciare una testata nucleare che sembra aver sconfitto gli alieni. Ma poco dopo riprende a nevicare. Ascoltando la radio il gruppo scopre che ci sono altri sopravvissuti in altre parti del mondo e si stanno organizzando centri di raccolta dove i nostri si dirigono, ma risulta trattarsi di un inganno, dal quale però Khruner e la sua famiglia riescono a salvarsi. Per sfuggire Khruner riesce a rifugiarsi nell’astronave degli alieni e, tentando di manovrarla, aziona casualmente una sorta di macchina del tempo e si ritrova a vagare per mondi paralleli. Qui finisce il lungo racconto allo scrittore. Khruner intuisce di essere riuscito a tornare nel suo universo e ritrova la sua famiglia. Lo scrittore intuisce invece che quello che gli è stato raccontato corrisponde a ciò che accadrà alla Terra e la storia si conclude con il fumettista davanti alla casa di Khruner, preoccupato per quello che succederà in futuro, e si domanda come potrà evitare tutto questo orrore, forse pubblicando tutto ciò che l’Eternauta gli ha raccontato, sotto forma di fumetto.

La serie venne pubblicata inizialmente sul periodico argentino Hora Cero Suplemento Semanal dal 4 settembre 1957 e, nel 1961, venne ristampato su una testata omonima. Nel 1969 Oesterheld decise di riscriverne la sceneggiatura, aumentando i riferimenti politici ed enfatizzando la violenza, facendone un’aperta critica al regime dittatoriale e all’imperialismo degli Stati Uniti. Questa versione, disegnata da Alberto Breccia in un particolare stile sperimentale, venne inizialmente pubblicata sul settimanale argentino Gente y la Actualidad; in seguito venne pubblicata in altri Paesi su varie pubblicazioni come Linus, El Globo, alteralter, Il Mago, Charlie Mensuel e Métal Hurlant. Un secondo ciclo di storie scritto da Oesterheld e disegnato da López venne pubblicato dal dicembre 1975; la trama è sempre più orientata alla critica politica, con Oesterheld stesso che diventa un personaggio narrante nella storia; lo sceneggiatore, che nel frattempo si era unito al movimento dei Montoneros, ne continuò a scrivere i capitoli successivi fino alla sua scomparsa a seguito di rapimento nell’aprile del 1977. La saga è continuata dopo la morte di Oesterheld scritta da altri autori.

Disponibilità al momento del Post(30-07-21):
001Edizioni
Prezzo € 26,00

Nessuno:

Se dovessi dirVi qual è il Fumetto/Opera più importante della storia e mio preferito in assoluto, probabilmente non avrei dubbi: L’Eternauta
L’Eternauta è una storia di fantascienza ma esattamente come per THE WALKING DEAD non ha importanza il genere letterario, l’ambientazione nè l’avversario del conflitto, alieni o morti viventi che siano.
E’ una storia di legami e sopravvivenza
Una storia di amicizia e di lotta per la libertà
E’ un’incredibile avventura mista di eroismo e sacrificio
E paura…
E’ nello stesso tempo una metafora del regime militare che investì il Sudamerica in quegli anni di piombo.
Una storia d’importanza epocale sia a livello di nuvole parlanti che appunto per l’insensata sparizione dell’Autore nell’Argentina dei cosiddetti desaparecidos vent’anni dopo (1977) l’inizio della sua pubblicazione (1957).
Le cinque figlie attiviste di sinistra dell’Autore subirono una sorte simile, prelevate e uccise da squadre armate.
E se non sapete di cosa sto parlando allora meno Maria De Filippi e più libri di storia peste!!!!!
La descrizione realistica, evocativa e potente a partire dai personaggi della vicenda fino ai particolari della vita normale prima dell’invasione, i fenomenali disegni insuperabili per dinamismo dei chiaroscuri, l’orrore, lo scenario profetico in tanti suoi aspetti rendono l’opera intramontabile.
L’Eternauta è figlio del suo tempo, eppure resta inalterato l’immutabile fascino della migliore sci-fi.
Davvero, leggetelo, Vi prometto una storia che vi appassionerà e se non sarà così allora è un problema… vostro.
E oggi Netflix annuncia una nuova serie televisiva dedicata a questa opera senza tempo.
Un aneddoto personale, lessi per la prima volta questa storia quando non ero ancora la mente eletta che avete di fronte ma l’equivalente intellettuale di un gracile corpicino (niente battute grazie) e credetemi, in quegli anni non vidi mai più le nevicate con gli occhi di prima (l’inizio dell’incredibile avventura del vagabondo dell’infinito), o perlomeno non come le attendevo da bambino.
Fidatevi di Nessuno
Gotcha!

Pubblicato negli Stati Uniti d’America tra il 1991 e il 2004, narra delle avventure di tre Bone (creature bianche, antropomorfe e dal lungo naso): Fone Bone e i suoi due cugini Phoney Bone (diminutivo di Phoncible P. Bone) e Smiley Bone. I tre Bone, in fuga da Boneville, la loro città, si perdono in un deserto pietroso e raggiungono infine una vallata sconosciuta. Qui vengono coinvolti nello scontro in atto tra gli esseri umani e delle creature pelose note come “creature ratto” (in originale «rat creatures», precedentemente resi con «Rattodonti»), comandati da un misterioso personaggio chiamato l’Incappucciato.

Bone ha la particolarità di unire il tratto semplice tipico del fumetto umoristico statunitense con una narrazione continuata che fonde un tono comico con uno maggiormente epico e drammatico. Col proseguire della storia i tratti cupi si fanno via via predominanti. Opere a cui Bone può essere accostato, specie nello stile grafico, sono Cerebus di Dave Sim e Pogo di Walt Kelly.

I tre personaggi principali sono inoltre simili a tre corrispettivi disneyani: Fone Bone ricorda sia il Topolino degli anni Trenta e Quaranta, e in parte anche il Paperino più avventuroso e ottimista; Phoney Bone è un Paperone maggiormente pieno di sé e meno previdente; Smiley Bone, invece, richiama alla mente un Pippo un po’ furbacchione.

Notevoli in tal senso sono anche altre somiglianze tra il fumetto di Jeff Smith e, più nello specifico, le storie dei paperi disneyani ideati da Carl Barks: i Bone sono tre cugini, mentre Boneville è un corrispettivo di una città statunitense (al pari di Topolinia o di Paperopoli) dove si usano i dollari e si leggono fumetti e classici della letteratura (come il libro Moby Dick che Fone Bone porta con sé).

L’edizione italiana di Bone, iniziata nel 1996 e conclusa dieci anni dopo, nel 2006, ha incontrato numerose difficoltà. Pubblicato inizialmente dalla casa editrice Macchia Nera (in un’edizione da edicola e successivamente in una per sole fumetterie), quando l’editore fallisce, Bone viene portato avanti dalla Lexy Production, la quale riesce a pubblicarne un solo volume prima di chiudere anch’essa. Successivamente il fumetto viene recuperato da Panini Comics, che pubblica gli ultimi tre volumi della saga.

La Panini Comics, a partire dal 2007, ha fatto partire una nuova ristampa completa in 10 volumi a colori. Negli Stati Uniti, in seguito alla conclusione dell’opera, ne è stata proposta un’edizione in volume unico. Nel 2011 BAO Publishing ha pubblicato l’edizione integrale di Bone in un unico volume.

Nel 2005 è stato pubblicato un videogioco episodico, di genere avventura grafica, ispirato al primo volume della serie e intitolato Bone: Out from Boneville. Nel 2006 è stato anche realizzato un seguito, dal titolo Bone: The Great Cow Race. Entrambi i giochi sono stati sviluppati dalla Telltale Games.

L’ Autore Jeff Smith (McKees Rocks, 27 febbraio 1960) è un fumettista statunitense, considerato uno dei promotori del Self-Publishing Movement degli anni novanta, ovvero figura fondamentale tra quegli autori che hanno promosso la strada dell’auto produzione per quanto riguarda realizzazione e pubblicazione delle loro opere, questo attraverso la Cartoon Books, casa editrice indipendente da lui fondata e gestita.

Tra il 1993 e il 1995 Jeff vince, per la serie Bone, 3 Eisner Award consecutivi nella categoria Best Humor Publication (o miglior serie a fumetti umoristica). Nel 1994 e nel 1995, Bone si aggiudica l’Eisner anche come Best Continuing Series (o miglior serie regolare). Premio che viene avvalorato dalla moltitudine di serie regolari distribuite all’epoca, sia dalle due major Marvel e DC ma anche dalla neonata Image Comics. Nel 1994 a Jeff Smith viene inoltre assegnato l’Eisner nella prestigiosa categoria di Best Writer (o miglior scrittore dell’anno). Sempre nello stesso anno riceve l’award anche per la Best Serialized Story (ovvero il miglior arco narrativo pubblicato in quell’anno all’interno di una serie regolare o limited-series). Si tratta dello story-arc The Great Cow Race, serializzato nei nn.8-10 di Bone. Nel 1995 e nel 1998 vince l’Eisner Award come Best Humor Writer (o miglior scrittore umoristico). Nel 2005 riceve l’Eisner Award nella categoria Best Graphic Album Reprint ovvero il riconoscimento che premia la miglior raccolta in volume (trade paperback o cartonato) di materiale a fumetti già pubblicato. Da qui il termine reprint (o ristampa). L’opera in questione è Bone Volume One Edition edita dalla Cartoon Books.

Disponibilità al momento del Post(25-06-21):

BAO

Prezzo € 59,00

Nessuno:

Bone è uno dei miei 3 Fumetti ‘indipendenti’ – cioè NON legati alle grandi major come Marvel o Dc – preferiti!!!

Non chiedetemi quali sono gli altri due, prossimamente li troverete in questo Album.

Il perchè della mia scelta di partire nella biblioteca con il Fumetto di Smith è semplice.

Come sapete, e se non lo sapete… sapevatelo, riuscire a fare ridere e piangere in una medesima opera (film, Libro, Fumetto…) è alquanto difficile e farlo bene estremamente raro credetemi.

Ebbene, Bone ci riesce egregiamente

Un’opera indubbiamente per tutti che inizia facendoti sorridere con i suoi tre strampalati protagonisti, proseguendo in seguito in una situazione ben più drammatica, leggi Guerra…

A tanti ho consigliato e fatto leggere questo Signore degli Anelli a Fumetti

E sto ancora aspettando il primo a cui non è piaciuto ok?

Quindi leggete Bone, per tutti i tamburi di Darkwood!!!!!

Fidatevi di Nessuno

Gotcha!